Su trabajo se distingue por una estética refinada, siempre en diálogo con las capacidades industriales y tecnológicas de cada empresa con la que colaboran. En esa búsqueda constante, Boti de Dominicis pone el foco en encontrar el equilibrio entre emoción y funcionalidad, creando productos coherentes, atemporales y con vocación de convertirse en piezas icónicas.

Hoy, el estudio colabora con empresas de distintos sectores, generando sinergias que enriquecen cada proyecto en un contexto en permanente evolución. En 2025, su trayectoria fue reconocida internacionalmente al recibir el prestigioso NYCxDESIGN Award por su proyecto de luminaria exterior TIK.

Entrevista a Boti de Dominicis Studio

¿Qué los llevó a convertirse en diseñadores?

Albert: De alguna manera la curiosidad de cómo estaban hechas las cosas, y a su vez, cómo funcionaban. El “por qué” del objeto. Por qué funciona, por qué está hecho así. 

También debido a que el dibujo era algo muy presente siempre en mi infancia. Se me daba bien, por lo que era algo natural, ir a algo que tuviera una parte creativa y otra parte de razonamiento.

Andrea: Desde muy pequeño pasaba horas dibujando. Mi compañero inseparable era un cuaderno de diseño y una caja llena de colores y rotuladores que llevaba conmigo a todas partes. Tuve la suerte de contar con conocidos y amigos de la familia con mucho talento para el dibujo, que alimentaron esa pasión y me enseñaron muchísimo.

Después llegó la etapa de la cinta adhesiva y el cartón, con los que creaba todo tipo de objetos extraños que acababan repartidos por toda la casa.

Siempre fui un niño muy curioso. Esa curiosidad me llevó, con los años, a preguntarme cómo estaban hechos los productos y objetos que me rodeaban. Pasaba tardes enteras desmontándolos y volviéndolos a montar.

Así que, cuando tenía 13 o 14 años y llegó el momento de decidir a qué escuela ir, no tuve muchas dudas sobre lo que quería hacer en el futuro.

Su estudio nació de la colaboración entre dos diseñadores de orígenes diferentes. ¿Cómo influyó esa combinación en la identidad del estudio?

Albert: Nos conocimos trabajando juntos en un despacho, éramos básicamente nosotros y el fundador del estudio, por lo que ya nos conocimos diseñando y proyectando. La idea de hacer nuestro estudio apareció en ese contexto, por lo que la transición fue muy natural. Fue un benchmark casual que sirvió para integrarnos mejor en la forma de pensar y proyectar.

Andrea: Es cierto que Albert y yo tenemos backgrounds bastante distintos. Casi toda mi formación tuvo lugar en Italia. Estudié cinco años en una escuela de arte y posteriormente estudié diseño industrial dentro de la facultad de arquitectura. 

Por su parte, Albert se formó aquí en Barcelona con un tipo de formación obviamente distinta a la mía. Cada uno desarrolló sus propios conocimientos, puntos de vista, enfoques y metodologías a lo largo del tiempo, que evidentemente difieren entre sí. Y, probablemente, fueron precisamente esas diferencias las que nos acercaron, generando una gran curiosidad e interés mutuo por la forma de trabajar del otro. 

Por eso nos gusta decir que nos complementamos. Esta complementariedad se refleja en cada proyecto que abordamos, donde el aporte de cada uno resulta esencial y especialmente valioso. 

A pesar de las diferencias, Albert y yo compartimos los mismos valores en el diseño, una visión común y una profunda pasión por nuestro trabajo. Esto nos permite alinear los proyectos en una misma dirección, algo fundamental para el buen funcionamiento y la armonía del estudio.

¿Qué tiene que tener un diseño para convertirse en un éxito?

Albert: Pues si fuera sencillo de saber, todos los diseños serían un éxito. Yo creo que depende del tipo de objeto, el momento social, su tiempo. Hay 2 fases, a mi entender, el primer éxito, el que permite que el objeto funcione a nivel comercial, lo que permitirá que tenga más opciones de perdurar su ciclo vital. Y ahí entraría una segunda fase, que se convierta en un icono, y ya sería imperecedero. 

Hay productos que nacen iconos, pero no suelen durar mucho, o transicionan a otras evoluciones, para seguir existiendo. Los que perduran, son los objetos silenciosos, maduros, sensatos. Esos pueden llegar a ser un éxito. Entendiendo “éxito” como “continuidad de venta en el tiempo”.

Andrea: Creo que el éxito de un producto depende de la combinación de varios factores. Entre ellos, destaca un componente estético-emocional que lo vuelve especialmente atractivo, único e innovador; es decir, un producto capaz de despertar en las personas ese impulso inmediato de decir “lo quiero” apenas lo ven o lo tocan.

La tecnología juega también un rol fundamental sobre todo hoy en día. Un producto innovador tecnológicamente siempre marca la diferencia y un antes y un después en el mercado abriendo nuevos caminos y posibilidades hasta ese momento inexplorados. Las empresas más visionarias, más dinámicas, con más recursos y con más capacidad de adaptación, serán las más capaces de crear productos de éxito. 

Luego hay otro factor muy importante que es la funcionalidad del producto. Un producto muy bonito pero que no es capaz de cumplir con su función o que cumple sólo en parte, será siempre un producto incompleto y destinado al fracaso en mi opinión. 

Por eso el éxito depende del equilibrio y la armonía entre estos diferentes factores. A todo esto se suma el precio, que tiene que estar bien ajustado: competitivo para el mercado, coherente con el valor que ofrece y viable para la empresa. Y seguramente el instrumento mejor que tenemos para medir el éxito de un producto es el tiempo, cuanto más tiempo un producto perdure en el mercado es una clara señal que has diseñado un buen producto.

De todos los productos que han diseñado, ¿De cuál se sienten más satisfechos?

Albert: Nuestra trayectoria personal como estudio todavía es corta, pero para mí sería la colección TIK para Estiluz.

Andrea: La verdad es que le tengo un cariño especial a todos los productos que hemos diseñado, pero si tuviera que elegir uno, diría Cupolina para Estiluz.

Por un lado, por su significado cultural y personal. El elemento principal de la colección es una pequeña cúpula, inspirada en la arquitectura renacentista. Se trata de un elemento icónico en la historia del arte, especialmente en Florencia, una ciudad en la que viví durante varios años. De alguna manera, esta colección es también un pequeño homenaje a esa etapa y a ese contexto.

Y desde un punto de vista más pragmático y terrenal, creo que hicimos un gran trabajo junto con el departamento técnico de la empresa creando una colección muy amplia y completa optimizando los recursos y sabiendo dar una personalidad fuerte y distinta a cada versión de la familia. El resultado es una colección que destaca por su simplicidad, elegancia y versatilidad.

El año pasado su diseño TIK, desarrollado para Estiluz, recibió el NYCxDESIGN Award 2025 en la categoría Outdoor Products, un reconocimiento importante dentro del diseño internacional. ¿Qué decisión de diseño creen que fue la más determinante para que el producto destacara en un contexto tan competitivo?

Albert: Su expresividad, su carácter sintético y, a la vez, emocional. Son tubos que se intersectan, pero son precisamente esas intersecciones, la curva que surge y sus proporciones —que llevaron mucho tiempo definir— lo que le da a la colección esa presencia. No pretende ser complaciente. Simplemente es ella misma.

Andrea: Fue una sorpresa muy bonita recibir un reconocimiento tan importante con la colección TIK. Creo que lo que más se valoró, y lo que llevó al producto a ganar el premio, fue su aparente simplicidad, que en realidad esconde una serie de detalles muy cuidados que hacen que la colección sea única.

A partir de un elemento tan sencillo y recurrente como el tubo, conseguimos crear una colección muy rica y dinámica que habla un lenguaje totalmente nuevo. Esto se debe a todo un juego muy preciso de intersecciones y proporciones, que al final se convierten en el alma del proyecto. 

Diría que ese equilibrio sutil entre brutalismo, sensualidad y rigor geométrico es lo que le da a la colección ese carácter y personalidad tan especial y radical. Y creo que fue justamente eso que conectó con la gente y que hizo que la colección destaque frente a otras propuestas.

¿En qué se inspiran? ¿Dónde encuentran la inspiración?

Albert: En ir pensando y fijándome en los productos, espacios, volúmenes, objetos, soluciones constructivas. Cualquier cosa puede ser un punto de inspiración, pero desde luego, en ir trabajando y madurando las ideas. Dotándolas de profundidad y valor.

No hay un método ni un estado que propicie la inspiración. Digamos que la inspiración nos rodea, pero no siempre la sabemos ver o interpretar. A veces, necesitamos inspirarnos para una idea general, otras para aportar una solución técnica o constructiva, eso es lo que vas buscando en cada momento. Y a veces aparecen interferencias, cuando estás centrado en algo, ese mismo algo te traslada a otra idea para otro producto.

Andrea: Pueden ser muchas las cosas que nos inspiran para la creación de un nuevo diseño. Realmente no hay una fórmula preestablecida o una fuente donde nos guste ir a inspirarnos. Cualquier cosa en cualquier instante puede ser el detonante de una idea o de un nuevo proyecto, lo que nos rodea, la naturaleza con sus formas orgánicas, el mundo industrial y sus productos, la pureza de las formas geométricas, la historia pasada, una experiencia, un material… Todo puede ser fuente de inspiración. 

Estamos rodeados continuamente de todo tipo de estímulos y creo que nosotros, como diseñadores y creativos, tenemos esa capacidad de filtrar y reelaborar esos inputs que nos llegan y transformarlos en ideas que quizás al final se podrán convertir en productos concretos.

¿Cómo es un día de trabajo en su vida?

Albert: Pues bastante normal, no hay nada excepcional. Al final, diseñar y proyectar es un trabajo. Eso sí, en mi caso, no desconecto nunca del todo. Por lo que el trabajo siempre va pasando en un segundo plano, a veces es lo principal, o tareas más mecánicas, a veces son ideas o rumiaciones que vas haciendo a lo largo del día en distintos momentos.

Andrea: La verdad que cada día puede ser bastante diferente. Hay días más focalizados en la búsqueda creativa, que es cuando las ideas empiezan a tomar forma, normalmente dibujando sobre papel y sucesivamente empezando a llevar estas ideas al mundo digital creando los primeros 3D. Y luego hay días dedicados a una fase más técnica, donde desarrollamos esos 3D iniciales más en profundidad y en detalle. Después hay una parte más manual, relacionada con la creación de prototipos, que es fundamental para ajustar medidas, proporciones y validar el diseño en físico. Y, por supuesto, hay días donde hay que dedicarle tiempo a reuniones con clientes y al seguimiento de los proyectos. En general, diría que son días bastante variados, que cambian mucho en función de la fase en la que se encuentre cada proyecto.

¿Cuál creen que va a ser la pieza de esta temporada?

Albert: No te sabría decir, porque tampoco creo que haya piezas de temporada.

Andrea: ¡No me quiero mojar! Vamos a ver el Salone de este año que sorpresas nos va a dar.

¿Cómo ven el futuro en el mundo del diseño de mobiliario?

Albert: Si hay algo que me ocupa mentalmente ahora es la IA y lo que pueda condicionar al trabajo creativo. El futuro del mundo del diseño de mobiliario irá ajustándose a las realidades industriales y de creación. No es ni bueno ni malo por sí mismo.

Pero se pueden prever ciertas opciones de realidad que no transmiten positivismo, pero simplemente puede que sea porque es algo que todavía está por definirse bien.

Andrea: Pues muy buena pregunta, que de hecho me la hago yo mismo casi cada día. Creo que es bastante difícil saber hacia dónde irá el sector, sobre todo porque la tecnología avanza a un ritmo muy acelerado, y en los últimos años aún más con la irrupción de la inteligencia artificial. 

Nosotros somos de esa generación que empezó esta carrera con un lápiz en la mano y toda una serie de otras herramientas manuales en la otra, y acabamos la carrera sabiendo utilizar varios programas de modelado y renderización en 3D. Es decir, hemos vivido ese cambio de primera mano. 

Durante todo este tiempo las empresas han tenido que evolucionar y estar al paso con las últimas tecnologías para poder seguir siendo líderes o simplemente sobrevivir. Los avances en los últimos 20 años han sido realmente impresionantes. La tecnología ha permitido diseñar y producir cosas que antes eran impensables. Y nuestro sector ha evolucionado muchísimo, tanto en procesos industriales como en materiales, componentes, formas de trabajar, entre otros. Sin embargo, a diferencia de otros sectores, ha seguido apostando por la componente humana y su valor añadido, encontrado un justo equilibrio entre industria, tecnología y labor manual, por lo menos hasta ahora. 

Y nuestro trabajo como diseñadores y creativos sigue siendo de momento imprescindible. Y de cara al futuro, espero que siga siendo así: que continuemos aprovechando todo el potencial de las nuevas tecnologías sin prescindir de la «Inteligencia Humana» que, al final, es lo que da sentido, criterio y valor real al diseño.

¿Con quién les gustaría trabajar?

Albert: Pues la verdad es que me encantaría hacer un proyecto con la editora Karimuko New Standar, siempre me ha gustado.

Si no hubieran sido diseñadores, serían…

Albert: Creo que cocinero. Me gusta mucho la cocina y la alquimia que hay en ella. La veo como un mundo abierto de creación y precisión, en el que todo es posible, pero no de cualquier manera. Esto resuena mucho con cómo veo el mundo del diseño industrial.

Andrea: Siempre se me ha dado bien cocinar, y siempre he tenido esa pasión así creo que habría sido chef.

Para conocerlos mejor:

Un color

Albert: No tengo un color favorito

Andrea: Turquesa

Un material

Ambos: Madera

Un diseñador al que admire

Albert: Jasper Morrison

Andrea: Achille Castiglioni

Una pieza que le inspire

Albert: Pipe Chair

Andrea: La silla Wassily de Marcel Breuer

Su rincón favorito de la casa

Albert: El salón

Andrea: Mi butaca con mi lamparita en el salón en invierno y la terraza en verano

Un lugar donde vivir

Albert: En un entorno natural y tranquilo

Andrea: Alguna isla remota de Grecia

Descubre artículos diseñados por Boti de Dominicis Studio en nuestro catálogo.

Arquitecto y diseñador de vocación, Francesc Rifé es una de las figuras más reconocidas del diseño contemporáneo español. Con su propio estudio fundado en Barcelona en 1994, ha sabido fusionar la precisión arquitectónica con la sensibilidad poética de los objetos: su trayectoria combina el rigor de la geometría, el orden del espacio y la elegancia del minimalismo.

Habiendo crecido en un entorno donde la artesanía formaba parte del legado familiar, Rifé lleva en su trabajo la huella de esa herencia: materiales nobles, proporciones calibradas y una búsqueda constante de la armonía. Su estudio multidisciplinar interviene tanto en arquitectura de interiores como en diseño industrial, mobiliario, iluminación y conceptos globales.

En esta entrevista exclusiva para OcioHogar, Francesc Rifé comparte su visión sobre cómo el orden espacial y el silencio formal pueden convertirse en experiencias, cómo un objeto puede recuperar la intensidad del «menos es más», y por qué hoy más que nunca el diseño debe responder a la calidad de vida y al sentido del lugar.

Entrevista a Francesc Rifé

¿Qué le llevó a convertirse en diseñador de productos/muebles para la casa?

Empecé desde la arquitectura interior y muchas veces el espacio me pedía piezas que no encontraba en el mercado. Diseñar muebles fue una consecuencia natural, una manera de completar lo que el interiorismo no resolvía por sí solo.

¿Qué tiene que tener un diseño para convertirse en un éxito?

Coherencia. Cuando una pieza está bien pensada, se nota. No necesita llamar la atención ni explicar demasiado. Simplemente funciona, envejece bien y acompaña la vida de quien la usa.

¿Cuál es, de entre todos los productos que ha diseñado, del que se siente más satisfecho?

Guardo un cariño especial por las piezas que nacen de necesidades muy concretas. La lámpara Peak, por ejemplo, buscaba iluminar rincones con poco espacio, porque las luminarias de pie suelen ser anchas y aparatosas.

El minimalismo es una parte esencial de su trabajo. ¿Cómo entiende usted el acto de depurar una pieza hasta lo imprescindible?

Depurar no es quitar por quitar. Es llegar al punto en que la pieza solo conserva lo que la hace útil y lo que le da sentido. 

¿En qué se inspira? ¿Dónde encuentra la inspiración?

En la luz, en los materiales, en el arte. También en la memoria, en la carpintería, en los oficios, en los objetos que han llevado bien el paso del tiempo.

¿Cómo es un día de trabajo en su vida?

Intenso. Viajo mucho porque me gusta estar cerca del proceso, también del error. Así que he aprendido a diseñar casi en cualquier parte, no solo en el estudio.

Muchos de sus proyectos ponen en valor la artesanía y el trabajo manual. ¿Qué papel juega la artesanía en un mundo donde la tecnología avanza tan rápido?

La artesanía aporta cosas que la tecnología no puede reproducir. No es una oposición, es buscar el equilibrio. La tecnología nos da precisión; la artesanía, emoción. Me interesa combinar ambas para que una complemente a la otra.

¿Cuál cree que va a ser la pieza de esta temporada?

Creo que veremos piezas capaces de adaptarse mejor al ritmo real de la vida. Muebles que ocupan poco, que cambian de función y que resuelven más de lo que aparentan sin complicarlo todo.

¿Cómo ve el futuro en el mundo del diseño de mobiliario?

Más consciente. Materiales responsables, procesos claros y un retorno a la función bien entendida. Y un diseño más práctico, más atento a cómo vive la gente.

¿Con quién le gustaría trabajar?

Con marcas que tengan una relación honesta con los materiales. Cuando hay una mirada común, todo funciona.

Si no hubiera sido diseñador, sería…

Algún trabajo ligado a la gastronomía. La cocina, como el diseño, requiere de técnica, emoción y oficio.

Para conocerle mejor:

Un color: Negro, pero con matices.

Un material: La madera, siempre.

Un diseñador al que admire: Charlotte Perriand. Su manera de unir función, estética y sensibilidad fue insuperable.

Una pieza que le inspire: Las sillas trenzadas de madera y cuerda de Hans J. Wegner.

Su rincón favorito de la casa: No tengo un rincón favorito. Cada espacio tiene su momento y su estado de ánimo.

Un lugar donde vivir: Cerca del mar… y lejos del ruido, si puede ser.

Descubre artículos diseñados por Francesc Rifé en nuestro catálogo.

Héctor Serrano es un diseñador industrial valenciano con una trayectoria consolidada entre Londres y Valencia, donde combina innovación, funcionalidad y una sensibilidad profundamente humana. Fundó su estudio en 2000 tras formarse en el Royal College of Art, y desde entonces ha desarrollado proyectos de producto, espacios y comunicación para firmas como FontanaArte, Roca, Gandía Blasco o Seletti, entre muchas otras.

Su trabajo se distingue por reinterpretar objetos cotidianos con ingenio y cercanía, dando lugar a piezas icónicas como la lámpara Superpatata, que lo catapultó internacionalmente. Ha sido premiado con reconocimientos como el Red Dot Design Award o el Premio Nacional de Diseño 2024, y su obra forma parte de museos como el Cooper-Hewitt de Nueva York o el V&A de Londres.

Con sede actual en Valencia, su enfoque creativo une sostenibilidad, emoción y funcionalidad, posicionándolo como una de las voces más reconocidas del diseño contemporáneo español.

Entrevista a Héctor Serrano

¿Qué le llevó a convertirse en diseñador de productos/muebles para la casa?

Yo era un mal estudiante, de hecho repetí el que antes se llamaba COU, el último curso antes de la carrera. Un amigo me comentó que había una carrera que se llamaba diseño que estaba basada todo en proyectos y con muy poco de codos, así que allí fui yo, sonaba interesante. Descubrí entonces el diseño que era totalmente desconocido para mi y pase del peor estudiante a uno de los mejores. Es lo que sucede cuando encuentras lo que te gusta y motiva. Lo curioso es que a varios compañeros de carrera que son ahora extraordinarios diseñadores les pasó exactamente igual. 

¿Qué tiene que tener un diseño para convertirse en un éxito?

Esto creo que no lo sabe nadie. No creo que haya una fórmula mágica para acertar, si lo hubiera, sería muy fácil. Prefiero hablar de un buen diseño que con suerte se pueda convertir en éxito. 

En este sentido creo un buen diseño tiene que conectar con la persona, que diga mucho con muy poco, que guste y no sabes porque, tiene que seducir sin intentar, enamorar de cerca, no pasar de moda, que al verlo te atraiga y cuando lo toques te alucine, que guste más cuanto más lo uses, tienen que producir un cierto deja vu siendo sorprendentemente original, ser modesto y sencillo.

¿Cuál es, de entre todos los productos que ha diseñado, del que se siente más satisfecho?

Esto es como preguntarle a un padre cuál es su hijo favorito. Todos son importantes y a todos les ponemos todo el cariño para llegar al mejor resultado posible. Dicho esto uno de los más recientes y que son especialmente significativos es el proyecto Tierra, Mar y Aire para Faro Barcelona. 

La colección es un homenaje a la naturaleza de la mano de la impresión 3D con bioplásticos y plásticos reciclados como redes de pesca. Gracias a la tecnología aditiva, podemos no solo fabricar productos con materiales reciclados sino localmente, bajo demanda y sin necesidad de moldes, reduciendo así el estocaje, transporte y en consecuencia su impacto ambiental. 

Ha trabajado con empresas de renombre como Muji, Gandía Blasco o Droog Design, y sus piezas han llegado a museos como el Victoria & Albert o el Cooper-Hewitt. ¿Cuál ha sido el mayor reto —o aprendizaje— al adaptar su lenguaje personal a marcas tan distintas y contextos tan variados?

En el estudio hacemos una gran variedad de tipologías de proyectos, desde instalaciones para coachella, un autobús, pasando por mobiliario o iluminación o pequeños productos. Siempre es un reto abordar una nueva tipología y siempre es muy enriquecedor. 

Creo que el no ser especialista en cierto modo te da una capacidad de poder exportar conocimientos de una área a otra aportando una visión especialmente innovadora. Al mismo tiempo requiere un esfuerzo grandísimo porque cada nueva área es un mundo en que hay que aprender constantemente.

¿En qué se inspira? ¿Dónde encuentra la inspiración?

La inspiración está en el día a día, en saber mirar, en tener curiosidad y ver lo que te rodea de forma diferente dependiendo de cómo lo mires e interpretes. Esto tiene que ver con tener el proyecto en la cabeza y, como decía Picasso, “la inspiración existe pero te tiene que encontrarte trabajando”.  Puede venir de una película, una conversación, algo que ves paseando, de un proceso industrial, de descontextualizar un objeto o incluso de otro proyecto. Nuestro proceso de creación no es lineal, requiere ir y volver, probar, testear y experimentar. 

Su trabajo destaca por reinterpretar objetos cotidianos con humor y poesía, como el botijo “La Siesta” o las servilletas “Dress for Dinner”. ¿Qué busca provocar en el usuario con ese enfoque tan personal?

Busca conectar emocionalmente con el usuario. Creo que es importante que nos sintamos identificados de la manera más humana, emocional y extraordinaria posible con el objeto para valorarlo y de esta forma se convierten en atemporales promoviendo el uso responsable y evitar la cultura de usar y tirar.

¿Cómo es un día de trabajo en su vida?

Depende mucho en qué proyecto estamos trabajando. Ahora mismo tenemos una gran variedad de proyectos en marcha y cada uno en fase distinta. Depende de la fase, puede que esté bocetando o revisando detalles de producción. Mucho del tiempo se va en gestionar y en reuniones con los diferentes equipos de trabajo de cada uno de los proyectos.

¿Cuál cree que va a ser la pieza de esta temporada?

No sabría decirte, en la última feria de Milán vi piezas muy interesantes pero es difícil saber si serán o no piezas destacables a largo plazo.

¿Cómo ve el futuro en el mundo del diseño de mobiliario?

Creo que es evidente que como todo nuestro sistema productivo pasa por la sostenibilidad y replantearnos la relación con los recursos naturales. La sencillez y honestidad en las formas y materiales es un valor que es especialmente relevante en el momento en el que vivimos.

¿Con quién le gustaría trabajar?

Me gustaría trabajar con mucha gente, la lista es muy larga. Pero sobre todo lo que veo importante es que sean relaciones a largo plazo y sólidas para construir juntos un buen proyecto.

Si no hubiera sido diseñador, sería…

La verdad es que no creo que pudiera haberme dedicado a otra profesión al menos con la pasión con la que le pongo al ser diseñador.

Para conocerle mejor:

Un color: Todos, depende el uso y el contexto habrá uno más adecuado.

Un material: Lo mismo que con la pregunta de color.

Un diseñador al que admire: Muchos, pero por citar uno diría Castiglioni.

Una pieza que le inspire: Más que una pieza me inspira el día a día.

Su rincón favorito de la casa: El momento de la mesa donde todos los días como con mi mujer e hijos.

Un lugar donde vivir: Cerca del mar.

Descubre artículos diseñados por Héctor Serrano en nuestro catálogo aquí.

Su formación autodidacta se ha nutrido del legado textil de su ciudad natal, Ontinyent, y de una profunda admiración por la cultura anglosajona, elementos que han influido decisivamente en su manera de concebir el diseño como una disciplina hecha a medida. 

Cada proyecto firmado por Ferrero se caracteriza por una narrativa sólida, atención al detalle y una cuidada selección de materiales, con especial atención al equilibrio entre artesanía, tecnología y sostenibilidad.

Desde su estudio en Valencia, Ferrero ha desarrollado mobiliario, espacios e instalaciones para reconocidas firmas nacionales e internacionales, aportando una visión fresca, elegante y emocional que ha sido premiada en certámenes como el German Design Award, IF Design Award, Restaurant & Bar Design Awards o los ADI, entre otros. Su compromiso con la identidad de cada cliente y la capacidad de transformar conceptos en experiencias únicas han posicionado a Estudi{H}ac como un referente del diseño contemporáneo a nivel global.

Entrevista a José Manuel Ferrero

¿Qué le llevó a convertirse en diseñador de productos/muebles para la casa?

Siempre me ha interesado el concepto de crear, de la arquitectura, de las artes plásticas y de la moda. La atracción por el mundo textil y el industrial. Cuando tuve que decidir hacia donde dirigir mis estudios lo tuve muy claro: diseño industrial. Una disciplina que fusiona creatividad, manejo de materiales, conceptualización de ideas y cómo llevarlo a un formato industrial.

Estudié Ingeniería en Diseño Industrial en la Universidad Jaume I de Castellón y, tras colaborar en diferentes estudios de diseño y arquitectura, decidí abrir mi propio estudio de diseño, DESIGN ATELIER.

El origen de mis raíces siempre han sido parte de la esencia de Estudi{H}ac. Ontinyent, mi ciudad natal, está llena de empresas textiles, de grandes empresas que siempre apostaron por creer en algo y convertirlo en realidad. Esa pasión y esfuerzo por conseguir llevar al mundo entero su proyecto, fue para mi el punto de inicio hace 20 años.

Mi Design Atelier está enfocado en diseño de producto e interiorismo, donde cada proyecto nace de un concepto o historia única, combinado con la búsqueda de la elegancia y la simplicidad formal, la creación de patrones únicos y un giro que descoloca y sorprende.

Siempre me han interesado estas dos disciplinas y cómo se entrecruzan en el día a día del estudio. Desde el comienzo he tenido muy clara mi base industrial y ese ha sido el foco principal sobre el cual ha evolucionado y nacido el departamento de diseño de interiores.

Aplico la misma metodología de trabajo a la hora de generar tanto un producto como un espacio interior, al igual que un sastre aplica a la hora de generar un buen traje. Intento conocer primero bien al cliente, y sobre ese primer briefing inicio nuestro proceso creativo, siempre desde una forma 100% industrial

¿Qué tiene que tener un diseño para convertirse en un éxito?

Libertad creativa para crear, que el cliente crea en el proyecto y que haya feeling entre cliente y diseñador. 

¿Cuál es, de entre todos los productos que ha diseñado, del que se siente más satisfecho?

Para mi cada producto deja un rastro y un aprendizaje nuevo que en los siguientes proyectos se ve reflejado de otra manera. El tener esa libertad creativa me permite soñar y crear un nuevo producto, con su propia historia y concepto, lleno de detalles que le aportan un carácter único.

Prácticamente muchos de los productos que hemos diseñado durante estos años siguen dándonos alegrías, nacen con ese punto de sorpresa y diferenciación, pero a su vez tiene el punto de la elegancia que los hace atemporales y muy fáciles de introducir en diversidad de proyectos de interiores. 

La colección Tea y Magnum de Sancal, Vases y Marquis de Vondom, Spyke de Toulemonde Bochart, la colección Hari para Ondarreta son ejemplos de esta forma de diseñar.

¿En qué se inspira? ¿Dónde encuentra la inspiración?

Siempre he tenido una relación profesional y personal muy estrecha con el mundo del textil. Tras varios años trabajando en estudios de diseño y arquitectura, decidí volver al origen de mis raíces, a Ontinyent, mi ciudad natal, llena de empresas textiles y donde estuve colaborando.A eso le he sumado otra de mis pasiones como es la cultura anglosajona, que ha tenido una gran influencia especialmente, por su estilo, cultura, humor y por una manera conservadora y transgresora al mismo tiempo. A todo ello, se une mi pasión por la moda, por la sastrería y la gran inspiración por los sastres de la famosa calle de SAVILE ROW en Londres.

Su metodología y manera de cuidar a un cliente, creando algo único, a medida para cada uno de ello, provoca en el estilo estudi{H}ac esa misma pasión por el mundo textil, las texturas, el tratamiento del color .

Otras cosas que me inspiran es el disfrute de la vida en sus facetas de gastronomía, viajes, deporte, música… son todo un mundo de inputs continuos que hacen que el día a día creativo del estudio sea apasionante.

Has colaborado con firmas tan distintas como Toyota Japón, Porcelanosa o Gandía Blasco. ¿Cómo adaptas tu lenguaje de diseño al ADN de cada marca sin perder tu identidad como diseñador?

El enfoque y estilo de estudi{H}ac han estado siempre muy claros, pero como en todo, según la experiencia con los clientes y paso de los años, ha evolucionado y madurado. 

Tras estos 20 años, sigue muy presente esa inquietud creativa donde cada proyecto debe ser diferente, pensado expresamente para cada cliente, respondiendo a nuestra tan característica elegancia hecha a medida, siempre con un twist de frescura mediterránea.

Siempre he creído y apostado por intentar transmitir en cada proyecto algo único. Algo basado en mi esencia y metodología desde una forma 100% industrial. Buscando algo nuevo, algo que no deje indiferente. Una gran historia, un concepto inicial sumado al trabajo de las proporciones, las texturas y los colores son la base principal para dar forma a cada nuevo proyecto.

¿Cómo es un día de trabajo en su vida?

Un día normal que no me encuentre viajando, llego al estudio con mi brompton, hago revisión de emails, repaso proyectos en marcha con el equipo. 

Estudihac, su estudio de diseño fundado en 2003, tiene una estética muy cuidada que evoca el lujo discreto. ¿Cómo defines el equilibrio entre funcionalidad y sofisticación en tus diseños?

Siempre he creído y apostado por intentar transmitir en cada proyecto algo único. Algo basado en mi esencia y metodología desde una forma 100% industrial. La fusión de estos dos mundos (artesanal e industrial) en uno, hace que cada nuevo proyecto se trabaje de la misma manera. Siempre buscando algo nuevo, algo que no deje indiferente. Una gran historia, ese concepto inicial sumando al trabajo de las proporciones, las texturas y los colores son la base principal para dar forma a cada nuevo proyecto.

¿Cuál cree que va a ser la pieza de esta temporada?

¡Qué difícil! Pues creo que las que vamos a presentar próximamente para Actiu, Vical Design, Varaschin y Lodes.

¿Cómo ve el futuro en el mundo del diseño de mobiliario?

Primero que todo debe ser original, algo diferente en el sentido que se innove de alguna manera, ya sea formal, material o funcional. Todo nuevo buen diseño debe cumplir su función principal, a la cual poder sumar luego todas esas cualidades extra que le aporten diferenciación respecto a sus similares. Es un momento en el que muchas empresas respetan y valoran el diseño, incorporándolo a su ADN.

¿Con quién le gustaría trabajar?

Stefan Diez y Haberli.

Si no hubiera sido diseñador, sería…

Seguiría con algo muy relacionado con las disciplinas artísticas, de moda o arte.

Para conocerle mejor

Un color: el verde.

Un material: tejido, madera y piedra combinado con nuevos materiales como de vanguardia, más técnicos.

Un diseñador al que admire: Paul Smith, Haberli, Stefan Diez, entre otros.

Una pieza que le inspire: butaca Up50 de Gaetano Pesce.

Su rincón favorito de la casa: mi espacio de trabajo, donde aprovecho los momentos libres para hacer primeros bocetos y generar ideas que luego en el estudio seguimos desarrollando.

Un lugar donde vivir: un mix entre Valencia y Londres.

Descubre artículos diseñados por José Manuel Ferrero en nuestro catálogo aquí.

En 2011 fundó su propio estudio en su ciudad natal, desde donde ha desarrollado productos para marcas internacionales como WMF, Vacheron Constantin, Normann Copenhagen, Baccarat, Estiluz y Lékué, entre muchas otras. Sus diseños, que van desde lámparas hasta mobiliario urbano, combinan creatividad, técnica y respeto por los materiales y los procesos de fabricación.

Jordi ha sido reconocido con importantes premios de diseño, tanto nacionales como internacionales, y sus obras han sido expuestas en museos y ferias de gran prestigio. Además, dedica parte de su tiempo a la enseñanza, compartiendo su experiencia con nuevas generaciones de diseñadores en varias escuelas y programas universitarios.

Conversamos con Jordi sobre su trayectoria, su forma de entender el diseño y los desafíos que enfrenta el sector hoy.

Entrevista a Jordi Pla Sabaté

¿Qué le llevó a convertirse en diseñador de productos y muebles para la casa?

Al finalizar mi grado en Diseño de Producto en la Escuela Eina, realicé mis prácticas en el estudio de André Ricard. Además de aprender y compartir su forma de entender el diseño, mis primeras experiencias estuvieron vinculadas a productos funcionales fabricados mediante inyección de plástico. Por ello, me sentí atraído por el menaje de cocina, fascinado por las posibilidades de innovación tanto a nivel funcional como formal. 

Considero que mi transición hacia el sector del mobiliario y la iluminación ha sido una evolución natural como diseñador de autor. La mirada personal y la interpretación propia de los objetos encuentran su sentido en estos ámbitos, donde la diversidad de propuestas exige diferenciarse y aportar nuevas soluciones y posibilidades.

¿Qué tiene que tener un diseño para convertirse en un éxito?

El éxito de un producto lo determina el público. Con todos los clientes con los que colaboro, buscamos siempre crear productos que aporten innovación, que por su esencia simple perduren en el tiempo, que reduzcan su impacto medioambiental, que logren seducir al mercado y que cuenten con un precio justificado.

Creo firmemente que la capacidad comercial, comunicativa y productiva de la empresa es determinante para así diseñar propuestas verdaderamente transgresoras que impacten y perduren en el mercado. Sin dudas, son los factores fundamentales para que un producto se convierta en un hito.

Sin embargo, también creo que las circunstancias y la suerte juegan un papel clave en que un producto exitoso llegue a ser verdaderamente popular.

Has mencionado que en tu estudio se «reinventa el método de diseño» para crear nuevas historias en torno a los materiales, procesos industriales y expresión artística. ¿Podrías contarnos cómo es ese proceso en la práctica y qué lo diferencia del enfoque tradicional del diseño de producto?

Mi método de abordar los proyectos es variable. Me gusta iniciar el proceso a partir de inspiraciones o inputs que, aparentemente, no están directamente relacionados con la tipología del producto al que va dirigido el proyecto. Estas influencias pueden surgir de experiencias previas, desde la reflexión o de la simple observación del entorno.

El método consiste en conectar esos estímulos como si se tratara de un mapa mental. Esta forma de trabajo me permite mantener una mayor flexibilidad y construir un relato multidireccional más sólido y genuino en torno a cada proyecto. Por ejemplo, la lámpara Wire nació a partir de un estudio sobre articulaciones magnéticas; la silla Nest surge de la observación y comprensión de la estructura de los pétalos de una flor; la lámpara Côte se basa en una textura muy específica del mundo de la relojería; y el banco Mom parte de la idea de aligerar la estructura mediante un árido especial como el UHPC.

¿Cuál es, de entre todos los productos que ha diseñado, del que se siente más satisfecho?

Es difícil de decir, porque todos mis objetos son parte de una cadena de aprendizaje y evolución. Los productos que más han influenciado son el OVO de Lékue, Multiabridor de WMF, Banco Mom de Escofet 1886, lámpara Wire de Milan Iluminación, la silla Nest de Sellex y la lámpara Bird que he diseñado para la empresa italiana KDLN.

Ha trabajado para marcas tan diversas como Baccarat, Vacheron Constantin, WMF o Remy Martin. ¿Cómo adaptas tu visión creativa a industrias tan distintas sin perder tu identidad como diseñador?

Básicamente, con cada cliente soy muy concreto en la fase de investigación, con el objetivo de identificar propuestas de valor específicas. Esto me permite generar conceptos que conectan con el saber hacer y la identidad de la compañía.

Durante la fase de ideación aplico mis propios patrones y recursos técnico-formales, siempre con la intención de lograr un equilibrio entre estética y funcionalidad. Cada decisión en mis piezas está justificada; para mí, el diseño es un juego en el que nada puede ser superfluo.

¿En qué se inspira? ¿Dónde encuentra la inspiración?

Mi fórmula para encontrar la inspiración parte del entusiasmo y la intuición. La capacidad de observación, junto con un sólido trasfondo técnico y cultural, son fundamentales para desentrañar ideas interesantes que surgen al analizar un mismo concepto desde distintas perspectivas.

¿Cómo es un día de trabajo en su vida?

Soy bastante rutinario: por las mañanas suelo planificar el día y responder correos, y poco a poco voy entrando en las tareas más creativas o de desarrollo. Acostumbro a trabajar en dos o tres proyectos a la vez; necesito alternar entre distintas tareas durante el día, es mi forma de evitar el aburrimiento y mantenerme activo mentalmente. Por suerte, cuento con la compañía de mi perrito Randy, que forma parte de mi día a día.

¿Cuál cree que va a ser la pieza de esta temporada?

En el sector de la iluminación creo que se van a presentar más sistemas lumínicos. Es esta clara fusión entre sectores del contract, técnica y decoración. 

¿Cómo ve el futuro en el mundo del diseño de mobiliario?

El futuro del diseño debe ser esencialista, honesto y disruptivo. En los sectores contract, técnico y decorativo, cada vez aparecen más productos que fusionan estos tres segmentos. Esto da lugar a soluciones híbridas, funcionales y adaptadas al entorno, que responden con precisión a las necesidades y gustos del usuario actual.

¿Con quién le gustaría trabajar? 

Me gusta trabajar con clientes donde se establece una relación de complicidad y confianza. El proceso de diseño se vuelve mucho más comprometido y apasionante. En mi experiencia, esto genera un escenario que me permite disfrutar del proceso y dar ese extra que evoca a proponer ideas con mucho potencial.

Si no hubiera sido diseñador, sería… cocinero o pastelero.

Para conocerle mejor:

Un color: rojo

Un material: PLA

Un diseñador al que admire: André Ricard, Miguel Milà, Antoni Arola, Jordi Blasi, Nahtrang, Daniel Rybakken, Nendo, Konstantin Grcic, Cecile Manz, Erwan Bouroullec, Barber Osgerby. Hay mucho talento.

Una pieza que le inspire: Las herramientas en general son un claro ejemplo de buenos productos. Son objetos de base esencial pensados para una función muy específica. Por eso perduran en el tiempo y mantienen su esencia tal como fueron concebidas. Esa es la verdadera belleza.

Su rincón favorito de la casa: La biblioteca.

Un lugar donde vivir: En el Pirineo del Pallars, conectado con la naturaleza.

Descubre artículos diseñados por Jordi Pla Sabaté en nuestro catálogo aquí

Mermelada ha desarrollado una amplia variedad de proyectos, desde mobiliario y objetos de iluminación hasta espacios interiores y exposiciones. Entre ellos están Cyls para Estiluz, Lewie para Mexa, Primitivo para Florentine Knives y ARO para Plasticdelux, por solo nombrar algunos. Además de su proyecto artístico “Editiio”, el cual plantea un diálogo entre arte, diseño y artesanía.

Años atrás, realizamos una entrevista a los diseñadores de Mermelada, para entonces un novel estudio.  Casi una década después los hemos vuelto a contactar, para conocer parte del secreto de su éxito, y sus opiniones sobre algunos aspectos del futuro del diseño.

Diseñadores de Mermelada Estudio durante el proceso creativo

Entrevistas a los diseñadores de Mermelada Estudio

Tuvimos el honor de entrevistarlos en el 2015, a pocos años de la fundación de su estudio. Ahora que su empresa acumula más de una década de logros, ¿Cuál consideran ha sido el pilar de su éxito?

El pilar de nuestro éxito ha sido, sin duda, la capacidad de mantenernos fieles a nuestra visión creativa mientras nos adaptamos a las necesidades cambiantes del mercado. Desde el inicio, apostamos por un enfoque colaborativo. Creemos que el equilibrio entre innovación y autenticidad, sumado a un proceso de internacionalización, que se inició desde 2011, han sido clave para lograrlo.

¿Cómo se distribuye el trabajo de los diseñadores en su estudio?

El trabajo en el estudio está muy orientado a la colaboración. Nos gusta dividir los proyectos según las fortalezas individuales de cada miembro del equipo, pero siempre mantenemos un flujo constante de comunicación y retroalimentación entre todos. Esto nos permite combinar diferentes perspectivas y enriquecer cada fase del proceso creativo. Al final, el diseño es un esfuerzo colectivo en el que la visión final es el resultado de múltiples aportaciones.

¿Cómo difiere el proceso creativo cuando se trabaja en equipo (estudio), en comparación de cuándo se labora en solitario?

Cuando trabajamos en equipo, el proceso tiende a ser mucho más dinámico. Las ideas fluyen con mayor rapidez, y la retroalimentación es inmediata, lo que ayuda a pulir conceptos en tiempo real. En cambio, cuando se trabaja en solitario, el ritmo es más introspectivo y reflexivo, lo que también puede ser valioso en la fase inicial de exploración. Sin embargo, creemos que la magia realmente sucede cuando esos momentos individuales se integran en un esfuerzo conjunto.

Reunión de equipo en Mermelada Estudio

¿Cuáles son las cualidades más relevantes que requiere un diseñador para el trabajo exitoso en equipo?

La comunicación efectiva es fundamental, pero también lo es la capacidad de ser flexible y abierto a las ideas de los demás. Un diseñador debe saber escuchar, aprender y, sobre todo, estar dispuesto a dejar el ego de lado para colaborar plenamente. La empatía y la adaptabilidad permiten que el equipo funcione como un organismo cohesionado, donde cada miembro puede aportar lo mejor de sí.

¿Qué materiales de vanguardia creen tomarán protagonismo en el diseño de luminarias y muebles, en el futuro inmediato?

Estamos viendo un gran interés en materiales sostenibles e innovadores, como bioplásticos, tejidos reciclados y materiales inteligentes que responden a estímulos ambientales. Creemos que el diseño del futuro estará marcado por una creciente conciencia ecológica y por la búsqueda de soluciones que combinen estética con responsabilidad ambiental.

¿Han empleado inteligencia artificial en el proceso creativo de alguno de sus diseños?

Hasta el momento no hemos integrado la inteligencia artificial de manera directa en nuestros procesos creativos, pero estamos muy interesados en su potencial. Creemos que puede ser una herramienta poderosa para generar nuevas ideas, optimizar ciertos aspectos técnicos o incluso para realizar simulaciones que aceleren el desarrollo de prototipos. Nos gusta mantenernos informados sobre estas innovaciones, ya que ofrecen una ventana a formas inéditas de diseñar.

¿Considera que la inteligencia artificial puede poner el riesgo el trabajo del diseñador?

No creemos que la inteligencia artificial vaya a reemplazar al diseñador, al menos no en el sentido tradicional. Si bien puede automatizar, como comentábamos, ciertos procesos técnicos o generar ideas preliminares, el diseño tiene una dimensión emocional y humana que la tecnología difícilmente podrá replicar por completo. El reto está en aprender a integrar la IA como una herramienta que potencie nuestra creatividad, en lugar de verla como una amenaza. El toque humano siempre será insustituible en la creación de objetos que conecten con las personas.

 ¿Qué destacarían de los diseños realizados para Mermelada Estudio?

Uno de los aspectos más destacados de nuestros diseños es la capacidad de transmitir emociones y contar historias a través de objetos cotidianos. Nos gusta crear piezas que no solo sean funcionales, sino que también inviten a la reflexión y despierten una conexión emocional. En cada diseño de Mermelada Estudio hay un diálogo constante entre forma, materialidad y concepto, lo que da lugar a productos con una identidad única y distintiva.

Reunión de equipo en Mermelada Estudio

 ¿Qué proyectan para Mermelada Estudio en el futuro?

Vemos el futuro de Mermelada Estudio lleno de oportunidades para seguir explorando nuevas formas de diseñar y colaborar en proyectos o con marcas que compartan nuestra visión. Nos enfocamos en expandir nuestra presencia internacional. Trabajamos principalmente en Norte América y Oriente Medio, al mismo tiempo, hemos comenzado un proceso de diversificación en los tipos de proyectos que abordamos.

Recientemente, iniciamos nuestros primeros trabajos en interiorismo y también lanzamos una división de proyectos bespoke, en la que diseñamos mobiliario a medida tanto para nuestros propios proyectos como en colaboración con arquitectos e interioristas de renombre.

¿Cómo ven el futuro del sector en cuanto a la incorporación de nuevos diseñadores españoles?

Creemos que el panorama para los diseñadores emergentes en España es muy prometedor. Cada vez hay más plataformas y oportunidades que permiten a los nuevos talentos hacerse un hueco en la industria. Estamos viendo una generación de diseñadores muy comprometidos con el contexto social y medioambiental, lo que sin duda traerá propuestas frescas e innovadoras al sector.

Descubre artículos fabricados por Mermelada Estudio en nuestro catálogo aquí.

[See image gallery at www.ociohogar.com]

OcioHogar – Van a ustedes a diseñar y construir la nueva sede de Metro de Madrid en las cocheras de Canillejas. ¿Nos pueden hablar un poco más de este proyecto? ¿Cuándo está previsto el inicio de las obras?

Joaquín Torres –  Es un proyecto repleto de retos. La pretensión es un lugar idóneo de oficinas y tiene todos los requisitos para que sea un buen lugar de trabajo, funcional y dotado de modularidad. Ojalá sus trabajadores se sientan cómodos y el espacio le ayude a desarrollar de manera óptima sus labores. Estamos terminando el proyecto de ejecución y en cuanto al comienzo de las obras al ser un tema de Metro, no sabemos cuándo empezarán.

Rafael Llamazares – Es un edificio de oficinas muy razonable para su uso, con una fuerte carga escultórica y funcionabilidad. Además de procurar un alto grado de eficiencia.

OH – Actualmente tienen sede en Madrid, A Coruña, Dubái y próximamente en República Dominicana. Pero ustedes trabajan en muchas partes del mundo ¿Cuáles son los futuros destinos de Estudio A-Cero? ¿Dónde les gustaría abrir una nueva sede?

J.T. – Estamos viendo la posibilidad de abrir en Moscú, pero vamos a consolidar lo que tenemos e ir poco a poco.

R.LL. – Será en función del volumen de trabajo que surja en alguna zona del mundo. Por supuesto hay que moverse como mejor se pueda e ir a buscar trabajo donde sea. Pero hay que ir con los pies bien en el suelo y hoy en día no tiene que porqué haber una necesidad de abrir en cada país donde surge un proyecto. Tendríamos en tal caso… no sé, más de 20 oficinas en diferentes países.

OH – Recientemente han terminado una lujosa casa unifamiliar en el este de Europa ¿Podrían hablarnos de las facilidades o dificultades que puede encontrar un arquitecto cuando trabaja en otros países?

J.T. – No solemos tener ningún problema. Además el cliente es el que suele facilitar bastante las cosas y generalmente nos propone a profesionales locales. La verdad es que hasta el momento la colaboración con otros arquitectos extranjeros ha sido inmejorable.

R.LL. – En pleno S.XXI tenemos una capacidad de inmediatez en las comunicaciones, que unido al deseo del cliente de realizar su diseño con nosotros, además de nuestra experiencia en proyectos internacionales… resulta casi tan natural actualmente en A-cero realizar un proyecto para Moscú que para Ourense. Obviamente hay salvedades… ciertas peculiaridades socioculturales, climáticas… diferentes hitos a tener en cuenta, pero como en cada proyecto, sea donde sea.

OH – Estudio A-Cero tiene una cartera de clientes muy importante. ¿Existe alguna empresa con la que no trabajen y que les hiciera especial ilusión llegar a trabajar?

J.T. – ¡Uff! Pues hay cientos de empresas que me parecen más apasionantes con las que no hayamos trabajado, pero me quedo con las que hemos trabajado y con las que nos quedan por trabajar.

R.LL. – Yo diría que cualquier empresa para la que no hayamos trabajado, que lógicamente hay casi infinitas, estaría feliz por poder trabajar para ella.

[See image gallery at www.ociohogar.com]

OH – Actualmente cuentan con más de sesenta trabajadores ¿Podría considerarse a Estudio A-Cero como uno de los más importantes y representativos de España? ¿Qué perspectiva de crecimiento tienen?

J.T. – Creo que en España hay magníficos profesionales, y estar bien posicionados en el mercado es ya todo un triunfo. Quiero seguir creciendo y mejorando en todos los aspectos de nuestras vidas y sin duda en lo profesional también.

R.LL. – Nos gusta mucho el tipo de estudio que tenemos, y por supuesto nos gustaría seguir creciendo y todo indica que seguiremos creciendo, pero sin duda lo más importante es hacer bien nuestro trabajo.

OH – En OcioHogar tenemos varios de sus productos, pero uno de los que más llama la atención de nuestros clientes, que es el más vendido, es el conjunto Rest de mesa y sillas para exterior. ¿Podrían contarnos un poco más sobre este producto? ¿Dónde surge la idea? ¿Por qué la inspiración en el Origami?

J.T. – Teníamos que diseñar una colección en muebles para exterior y hacer algo estable, estético y funcional y en el Origami hay toda una filosofía y una poesía tremendamente sugerente que nos inspiró y emocionó… Como punto de partida.

R.LL. – La verdad que es una maravilla poder realizar diseños para una firma como Vondom. Es tremendamente admirable, esta empresa española que apuesta por el diseño, sobre todo por el diseño español. Ya hemos realizado varias colecciones para su mobiliario de exterior (o de interior), y en concreto la colección Rest sí que posee cierta reminiscencia con el Origami japonés.

A-CERO is one of the best known architectural and design firms in Spain and in almost everywhere. Joaquin Torres and Rafael Llamazares are the creators and partners of this firm that addressed projects for personalities and government. OcioHogar has had the pleasure of speaking with the two architects to meet the present and future of Estudio A-cero.

[See image gallery at www.ociohogar.com]

OcioHogar – You have been chosen to design and build the new headquarters of Metro de Madrid in Canillejas’ hub. Could you tell us a bit more about this project? When is it scheduled to start works?

Joaquin Torres – It is a project full of challenges. The objective is to build an ideal place of offices and it has all the requirements to be a good workplace, functional and equipped with modularity. Hopefully their employees would feel comfortable and the space will help them to develop optimally their work. We are finishing the project implementation but the official launch will be decided by Metro, we do not know when it will start.

Rafael Llamazares – It is a very reasonable project, with a strong sculptural background and functionality. In addition to ensuring a high degree of efficiency.

OH – Nowadays Estudio A-cero has headquarters in Madrid, A Coruña, Dubai and soon in Dominican Republic. But you work in many parts of the world. What are the future locations of Estudio A-cero? Where would you like to open a new office?

J.T. – We are seeing the possibility of opening in Moscow, but we will consolidate what we have and go slowly.

R.LL. – It will be depending on the workload arising around the world. Of course you have to move there where you get projects. But we must be sure of next steps, it doesn’t make sense  to open an office in each country where a project arises. We would have in this case … I do not know, more than 20 offices in different countries.

OH – Recently you have completed a luxurious family house in the east of Europe.  Could you tell us about the facilities or difficulties an architect may face working in other countries?

J.T. – We do not usually have any problems. Furthermore the customer is who usually makes things easier and generally proposes local professionals. The truth is, until now, the cooperation with other foreign architects has been excellent.

R.LL. – In the XXI century we have the capacity of immediacy in communications, which together with the customer’s desire to make their design with us, plus our experience in international projects … is now almost as easy in A-cero to develop a project for Moscow as it is for Ourense. Obviously there are exceptions … some cultural peculiarities, weather … but you will find roadblocks in any project, wherever it is.

OH – Estudio A-cero has a very important portfolio of clients. Is there any company that you do not work with currently and you are specially interested in working with?

J.T. – Uff! There are hundreds of companies that seem very exciting and we have not worked with, but I’ll stick with the ones we have worked with.

R.LL. – I would say that any company that we have not worked with yet, logically there are almost infinite companies, I would be happy to be working for them.

[See image gallery at www.ociohogar.com]

OH – Currently Estudio A-cero has more than seventy workers. Could you be considered as one of the most important and representative Estudios of Spain? What expectations of growth do you have?

J.T. – I think there are excellent professionals in Spain, and we have achieved a good position in the market. I want to continue growing and improving in all aspects of our lives and certainly professionally too.

R.LL. – We really like the kind of study that we have and of course we would like to continue growing and it appears that will continue to grow. But certainly the most important thing is to do our job well.

OH – In OcioHogar we sell several of your products but, one that attracts the attention of our customers, which is the best seller, is the Rest set of table and chairs for outdoors. Could you give us some insight about this product? Where did the idea arised? Why did you inspire in the Origami?

J.T. – We had to design a furniture collection for outdoor and do something stable, aesthetic and functional and the Origami has a whole philosophy and a tremendously evocative poetry that touched and inspired us … As a starting point.

R.LL. – Actually it’s great to make designs for a firm like Vondom. It is tremendously admirable, a Spanish company committed to design, and specially Spanish design. We have already made several furniture collections for outdoors (or indors), and in particular the Rest collection that has some reminiscence with Japanese Origami.

  [See image gallery at www.ociohogar.com]

OcioHogar- El hecho de ser hijo de Juan Torres Piñón, un afamado empresario relacionado con el mundo de la construcción. ¿Pudo ser uno de los motivos que le llevaron a interesarse por la arquitectura?

Joaquín Torres – Mi padre ha estado metido en el mundo de la empresa desde que tengo uso de razón pero su labor era más de gestión y más como ingeniero, nunca desde un punto de vista creativo… Es más, creo que a él le hubiera gustado que hubiese cursado ingeniería de caminos. Pero yo por vocación pero también por reafirmación, pues desde muy joven decidí que quería ser arquitecto, tenía muy claro que no quería trabajar para mi padre y sus empresas. Jamás he realizado un proyecto para ACS, ni para ninguna de las empresas de mi padre.

OH- En su opinión ¿qué es lo que hace que un diseño tenga éxito?

J.T – El éxito es algo relativo. Para mí el éxito de un diseño radica en transmitir a mi cliente mi seguridad y mi “pasión” por ese diseño y que el cliente quede complacido.

OH- En el estudio A-Cero realizan arquitectura de edificios y también diseño de interiores ¿son dos facetas que van unidas o se deben separar?

J.T – Yo creo que la arquitectura no termina en las fachadas de un edificio. El diseño es global y nadie mejor que el creador del espacio para completar el diseño. Pero evidentemente se puede separar aunque considero que va en contra del proyecto global.

OH – Actualmente se encuentra algo más retirado de la exposición en los medios. ¿Cómo es un día de trabajo para usted?

J.T – Decidí hace algo más de un año dejar la televisión y centrar la comunicación del estudio en medios más especializados.

Me imagino que una jornada laboral mía es como la de cualquier persona que tiene que levantar una empresa con tantos empleados. Es intensa y muy larga y llena de complicaciones que hay que resolver: diseños, control de proyectos, control de obras, presupuestos, gestión de personal… En fin, multitud de aspectos que nunca tienen un final.

OH- En 2013 publicó su libro “Detrás de la puerta” ¿cómo fue la experiencia de escribir un libro? ¿Cree que volverá a publicar en el futuro?

J.T – Es un libro que relata anécdotas de cómo fueron los primeros 15 años de profesión. He tenido más propuestas y las he declinado todas pues si volviese a escribir otro libro me implicaría mucho más y para eso hace falta mucho tiempo y es justo de lo que yo carezco.

  [See image gallery at www.ociohogar.com]

OH- ¿En qué o en quién se inspira para realizar sus creaciones?

J.T – El mundo del arte es sin duda una magnífica referencia y una fuente de inspiración. Pero al final uno se va nutriendo de todo aquello que le sorprende, que le emociona… Una exposición, una escenografía, un interiorismo, una película… la vida.

OH- Su relación laboral con Rafael Llamazares se extiende ya 19 años, trabajando codo a codo ¿qué tal es la relación a día de hoy? ¿En qué aspectos se complementan el uno al otro?

J.T – Rafa es mi socio, mi amigo… Es una persona que siempre está para todo… Y nuestra relación es permanente y perfectamente complementaria. Es sin duda de esas personas que siempre suman. Soy muy afortunado contando con una persona con su talento y su talante… Y no sé cómo le complementaré yo a él, lo que sí que puedo decir es que él no solo me complementa, también me hace ser mejor arquitecto y lo que es más importante, mejor persona.

OH- Usted es una persona muy polifacética, le hemos visto en medios de comunicación, ha escrito un libro, es arquitecto y diseñador de interiores, amante del deporte… ¿En qué otros sectores le gustaría trabajar?

J.T – Me gusta mucho pintar y seguro que es una faceta que acabaré desarrollando más intensivamente.

OH- Estudio A-Cero y usted son muy conocidos por el diseño de casas de múltiples personajes famosos ¿Hay alguna de estas casas que suponga un hito especial en su carrera?

J.T – Pues la verdad, hay una estupenda vivienda que proyectamos que aparte de tener su  peculiaridad dentro de la arquitectura de A-cero, posee un gran peso afectivo. La casa de Fernando Hierro. Yo creo que fue una de las primeras personas conocidas a la que le realicé un proyecto y resultó además ser una excelente persona, aún a día de hoy unos 15 años después es un gran amigo.

OH- Si usted no fuera arquitecto, habría sido…

J.T – Habría sido cualquier cosa pero anhelando ser arquitecto. La arquitectura es junto a mis hijos el eje unilateral de mi vida y todo tiene sentido por y para la arquitectura en mi vida.

OH- Para terminar:

1. Un color: Blanco.
2. Un material: Hormigón.
3. Un arquitecto/diseñador que admire: Rafael Llamazares.
4. Un mueble que le inspire: la silla Barcelona.
5. El lugar favorito de su casa: el cuarto de mis hijos.
6. Un lugar donde vivir: donde estén mis hijos.

OcioHogar had the pleasure of interviewing one of the most well-known architects in Spain. Called the “architect of the famous”, Joaquin Torres is co-founder of Estudio A-cero with Rafael Llamazares. A high-profile architect who has managed to bring the design closer to people and promote the great work of their brand. Which it is one of the most famous in Spain and abroad.

OH- Being the son of Juan Torres Piñón, a famous construction entrepreneur. Could it be one of the reasons that led you to become interested in architecture?

J.T – My father has been involved in the world of business as long as I can remember but his job was management and as engineer, never from a creative point of view… Moreover, I think he would have liked me to study road engineering. However I was loyal to my vocation, since a very early age I decided I would be an architect and I was very clear that I didn’t want to work for my father or his companies. I’ve never done a project for ACS, nor for any of the companies of my father.

  [See image gallery at www.ociohogar.com]

OH- In your opinion, what makes a design to become a success?

J.T – Success is relative. For me the success of a design is about transmitting my safety and my «passion» for that design to the customer, and to please the customer.

OH- In Estudio A-cero you work on architecture for buildings and interior design. Are they tightly coupled areas of design or should be separated?

J.T – I think that architecture does not end on the facades of a building. The design is global and nobody better than the creator of a space to complete the design. Obviously you can separate it although I think it goes against the overall project.

OH- Nowadays you have reduced your exposure to the media. How is a working day for you?

J.T – I decided one year ago to leave television and center the Estudio’s communication in more specialized media.

My working day is like the one of any person who has to drive a company with many employees. It is intense and full of complications to be solved: design, project control, building control, budgeting, employee’s management … In brief, lot of work that never has an end.

OH- In 2013 you published your book «Behind the door». How was the experience of writing a book? Do you think you will publish again in the future?

J.T – It is a book about stories I had during the first 15 years of profession. I’ve had more proposals and I have declined all of them because if I was to write another book, I would get very involved and I don’t have much time.

  [See image gallery at www.ociohogar.com]

OH- What or who inspires you to make your creations?

J.T – The world of art is certainly a great reference and a source of inspiration. But at the end we are nourished by everything that surprises you, excites you … An exhibition, an interior design, a film … life.

OH- Your working relationship with Rafael Llamazares extends over 19 years working closely. How is the relationship today? How do you complement each other?

J.T – Rafa is my partner, my friend … he is a person who is always available … And our relationship is permanent and perfectly complementary. He is certainly of that person who always adds up. I am very fortunate having someone with his talent and spirit … I do not know how I complement him, what I can say is that he does not only complements me, he also makes me a better architect and what is most important, a better person.

OH- You are a very versatile person, we have seen you in the media, you have written a book, as an architect and interior designer, sports fan… In which other sectors would like to work?

J.T – I love painting and I’m sure it is a facet that I will focus on at some point. No doubt.

OH- Estudio A-cero and you are well known for the design of many houses of famous people. Do any of these houses represent a particular milestone in your career?

J.T – To be fair, there is a great housing project that apart from being a peculiarity into the architecture of A-cero, has a great emotional weight. Fernando Hierro’s house. I think he was one of the first famous people that I worked for. And he also proved to be an excellent person, even today, around 15 years later; he is still a great friend.

OH- If you were not an architect, you would have been…

J.T – I would have been anything but looking forward to being an architect. Architecture is, together with my children, the unilateral focus of my life. My life only makes sense as an architect.

OH– To finish:

1. A colour: White.
2. Material: Concrete.
3. An architect / designer who admire: Rafael Llamazares.
4. A furniture that inspire you: the Barcelona chair.
5. The favourite place of your home: the bedroom of my children.
6. A place to live: Wherever my kids are.