Su trabajo se distingue por una estética refinada, siempre en diálogo con las capacidades industriales y tecnológicas de cada empresa con la que colaboran. En esa búsqueda constante, Boti de Dominicis pone el foco en encontrar el equilibrio entre emoción y funcionalidad, creando productos coherentes, atemporales y con vocación de convertirse en piezas icónicas.

Hoy, el estudio colabora con empresas de distintos sectores, generando sinergias que enriquecen cada proyecto en un contexto en permanente evolución. En 2025, su trayectoria fue reconocida internacionalmente al recibir el prestigioso NYCxDESIGN Award por su proyecto de luminaria exterior TIK.

Entrevista a Boti de Dominicis Studio

¿Qué los llevó a convertirse en diseñadores?

Albert: De alguna manera la curiosidad de cómo estaban hechas las cosas, y a su vez, cómo funcionaban. El “por qué” del objeto. Por qué funciona, por qué está hecho así. 

También debido a que el dibujo era algo muy presente siempre en mi infancia. Se me daba bien, por lo que era algo natural, ir a algo que tuviera una parte creativa y otra parte de razonamiento.

Andrea: Desde muy pequeño pasaba horas dibujando. Mi compañero inseparable era un cuaderno de diseño y una caja llena de colores y rotuladores que llevaba conmigo a todas partes. Tuve la suerte de contar con conocidos y amigos de la familia con mucho talento para el dibujo, que alimentaron esa pasión y me enseñaron muchísimo.

Después llegó la etapa de la cinta adhesiva y el cartón, con los que creaba todo tipo de objetos extraños que acababan repartidos por toda la casa.

Siempre fui un niño muy curioso. Esa curiosidad me llevó, con los años, a preguntarme cómo estaban hechos los productos y objetos que me rodeaban. Pasaba tardes enteras desmontándolos y volviéndolos a montar.

Así que, cuando tenía 13 o 14 años y llegó el momento de decidir a qué escuela ir, no tuve muchas dudas sobre lo que quería hacer en el futuro.

Su estudio nació de la colaboración entre dos diseñadores de orígenes diferentes. ¿Cómo influyó esa combinación en la identidad del estudio?

Albert: Nos conocimos trabajando juntos en un despacho, éramos básicamente nosotros y el fundador del estudio, por lo que ya nos conocimos diseñando y proyectando. La idea de hacer nuestro estudio apareció en ese contexto, por lo que la transición fue muy natural. Fue un benchmark casual que sirvió para integrarnos mejor en la forma de pensar y proyectar.

Andrea: Es cierto que Albert y yo tenemos backgrounds bastante distintos. Casi toda mi formación tuvo lugar en Italia. Estudié cinco años en una escuela de arte y posteriormente estudié diseño industrial dentro de la facultad de arquitectura. 

Por su parte, Albert se formó aquí en Barcelona con un tipo de formación obviamente distinta a la mía. Cada uno desarrolló sus propios conocimientos, puntos de vista, enfoques y metodologías a lo largo del tiempo, que evidentemente difieren entre sí. Y, probablemente, fueron precisamente esas diferencias las que nos acercaron, generando una gran curiosidad e interés mutuo por la forma de trabajar del otro. 

Por eso nos gusta decir que nos complementamos. Esta complementariedad se refleja en cada proyecto que abordamos, donde el aporte de cada uno resulta esencial y especialmente valioso. 

A pesar de las diferencias, Albert y yo compartimos los mismos valores en el diseño, una visión común y una profunda pasión por nuestro trabajo. Esto nos permite alinear los proyectos en una misma dirección, algo fundamental para el buen funcionamiento y la armonía del estudio.

¿Qué tiene que tener un diseño para convertirse en un éxito?

Albert: Pues si fuera sencillo de saber, todos los diseños serían un éxito. Yo creo que depende del tipo de objeto, el momento social, su tiempo. Hay 2 fases, a mi entender, el primer éxito, el que permite que el objeto funcione a nivel comercial, lo que permitirá que tenga más opciones de perdurar su ciclo vital. Y ahí entraría una segunda fase, que se convierta en un icono, y ya sería imperecedero. 

Hay productos que nacen iconos, pero no suelen durar mucho, o transicionan a otras evoluciones, para seguir existiendo. Los que perduran, son los objetos silenciosos, maduros, sensatos. Esos pueden llegar a ser un éxito. Entendiendo “éxito” como “continuidad de venta en el tiempo”.

Andrea: Creo que el éxito de un producto depende de la combinación de varios factores. Entre ellos, destaca un componente estético-emocional que lo vuelve especialmente atractivo, único e innovador; es decir, un producto capaz de despertar en las personas ese impulso inmediato de decir “lo quiero” apenas lo ven o lo tocan.

La tecnología juega también un rol fundamental sobre todo hoy en día. Un producto innovador tecnológicamente siempre marca la diferencia y un antes y un después en el mercado abriendo nuevos caminos y posibilidades hasta ese momento inexplorados. Las empresas más visionarias, más dinámicas, con más recursos y con más capacidad de adaptación, serán las más capaces de crear productos de éxito. 

Luego hay otro factor muy importante que es la funcionalidad del producto. Un producto muy bonito pero que no es capaz de cumplir con su función o que cumple sólo en parte, será siempre un producto incompleto y destinado al fracaso en mi opinión. 

Por eso el éxito depende del equilibrio y la armonía entre estos diferentes factores. A todo esto se suma el precio, que tiene que estar bien ajustado: competitivo para el mercado, coherente con el valor que ofrece y viable para la empresa. Y seguramente el instrumento mejor que tenemos para medir el éxito de un producto es el tiempo, cuanto más tiempo un producto perdure en el mercado es una clara señal que has diseñado un buen producto.

De todos los productos que han diseñado, ¿De cuál se sienten más satisfechos?

Albert: Nuestra trayectoria personal como estudio todavía es corta, pero para mí sería la colección TIK para Estiluz.

Andrea: La verdad es que le tengo un cariño especial a todos los productos que hemos diseñado, pero si tuviera que elegir uno, diría Cupolina para Estiluz.

Por un lado, por su significado cultural y personal. El elemento principal de la colección es una pequeña cúpula, inspirada en la arquitectura renacentista. Se trata de un elemento icónico en la historia del arte, especialmente en Florencia, una ciudad en la que viví durante varios años. De alguna manera, esta colección es también un pequeño homenaje a esa etapa y a ese contexto.

Y desde un punto de vista más pragmático y terrenal, creo que hicimos un gran trabajo junto con el departamento técnico de la empresa creando una colección muy amplia y completa optimizando los recursos y sabiendo dar una personalidad fuerte y distinta a cada versión de la familia. El resultado es una colección que destaca por su simplicidad, elegancia y versatilidad.

El año pasado su diseño TIK, desarrollado para Estiluz, recibió el NYCxDESIGN Award 2025 en la categoría Outdoor Products, un reconocimiento importante dentro del diseño internacional. ¿Qué decisión de diseño creen que fue la más determinante para que el producto destacara en un contexto tan competitivo?

Albert: Su expresividad, su carácter sintético y, a la vez, emocional. Son tubos que se intersectan, pero son precisamente esas intersecciones, la curva que surge y sus proporciones —que llevaron mucho tiempo definir— lo que le da a la colección esa presencia. No pretende ser complaciente. Simplemente es ella misma.

Andrea: Fue una sorpresa muy bonita recibir un reconocimiento tan importante con la colección TIK. Creo que lo que más se valoró, y lo que llevó al producto a ganar el premio, fue su aparente simplicidad, que en realidad esconde una serie de detalles muy cuidados que hacen que la colección sea única.

A partir de un elemento tan sencillo y recurrente como el tubo, conseguimos crear una colección muy rica y dinámica que habla un lenguaje totalmente nuevo. Esto se debe a todo un juego muy preciso de intersecciones y proporciones, que al final se convierten en el alma del proyecto. 

Diría que ese equilibrio sutil entre brutalismo, sensualidad y rigor geométrico es lo que le da a la colección ese carácter y personalidad tan especial y radical. Y creo que fue justamente eso que conectó con la gente y que hizo que la colección destaque frente a otras propuestas.

¿En qué se inspiran? ¿Dónde encuentran la inspiración?

Albert: En ir pensando y fijándome en los productos, espacios, volúmenes, objetos, soluciones constructivas. Cualquier cosa puede ser un punto de inspiración, pero desde luego, en ir trabajando y madurando las ideas. Dotándolas de profundidad y valor.

No hay un método ni un estado que propicie la inspiración. Digamos que la inspiración nos rodea, pero no siempre la sabemos ver o interpretar. A veces, necesitamos inspirarnos para una idea general, otras para aportar una solución técnica o constructiva, eso es lo que vas buscando en cada momento. Y a veces aparecen interferencias, cuando estás centrado en algo, ese mismo algo te traslada a otra idea para otro producto.

Andrea: Pueden ser muchas las cosas que nos inspiran para la creación de un nuevo diseño. Realmente no hay una fórmula preestablecida o una fuente donde nos guste ir a inspirarnos. Cualquier cosa en cualquier instante puede ser el detonante de una idea o de un nuevo proyecto, lo que nos rodea, la naturaleza con sus formas orgánicas, el mundo industrial y sus productos, la pureza de las formas geométricas, la historia pasada, una experiencia, un material… Todo puede ser fuente de inspiración. 

Estamos rodeados continuamente de todo tipo de estímulos y creo que nosotros, como diseñadores y creativos, tenemos esa capacidad de filtrar y reelaborar esos inputs que nos llegan y transformarlos en ideas que quizás al final se podrán convertir en productos concretos.

¿Cómo es un día de trabajo en su vida?

Albert: Pues bastante normal, no hay nada excepcional. Al final, diseñar y proyectar es un trabajo. Eso sí, en mi caso, no desconecto nunca del todo. Por lo que el trabajo siempre va pasando en un segundo plano, a veces es lo principal, o tareas más mecánicas, a veces son ideas o rumiaciones que vas haciendo a lo largo del día en distintos momentos.

Andrea: La verdad que cada día puede ser bastante diferente. Hay días más focalizados en la búsqueda creativa, que es cuando las ideas empiezan a tomar forma, normalmente dibujando sobre papel y sucesivamente empezando a llevar estas ideas al mundo digital creando los primeros 3D. Y luego hay días dedicados a una fase más técnica, donde desarrollamos esos 3D iniciales más en profundidad y en detalle. Después hay una parte más manual, relacionada con la creación de prototipos, que es fundamental para ajustar medidas, proporciones y validar el diseño en físico. Y, por supuesto, hay días donde hay que dedicarle tiempo a reuniones con clientes y al seguimiento de los proyectos. En general, diría que son días bastante variados, que cambian mucho en función de la fase en la que se encuentre cada proyecto.

¿Cuál creen que va a ser la pieza de esta temporada?

Albert: No te sabría decir, porque tampoco creo que haya piezas de temporada.

Andrea: ¡No me quiero mojar! Vamos a ver el Salone de este año que sorpresas nos va a dar.

¿Cómo ven el futuro en el mundo del diseño de mobiliario?

Albert: Si hay algo que me ocupa mentalmente ahora es la IA y lo que pueda condicionar al trabajo creativo. El futuro del mundo del diseño de mobiliario irá ajustándose a las realidades industriales y de creación. No es ni bueno ni malo por sí mismo.

Pero se pueden prever ciertas opciones de realidad que no transmiten positivismo, pero simplemente puede que sea porque es algo que todavía está por definirse bien.

Andrea: Pues muy buena pregunta, que de hecho me la hago yo mismo casi cada día. Creo que es bastante difícil saber hacia dónde irá el sector, sobre todo porque la tecnología avanza a un ritmo muy acelerado, y en los últimos años aún más con la irrupción de la inteligencia artificial. 

Nosotros somos de esa generación que empezó esta carrera con un lápiz en la mano y toda una serie de otras herramientas manuales en la otra, y acabamos la carrera sabiendo utilizar varios programas de modelado y renderización en 3D. Es decir, hemos vivido ese cambio de primera mano. 

Durante todo este tiempo las empresas han tenido que evolucionar y estar al paso con las últimas tecnologías para poder seguir siendo líderes o simplemente sobrevivir. Los avances en los últimos 20 años han sido realmente impresionantes. La tecnología ha permitido diseñar y producir cosas que antes eran impensables. Y nuestro sector ha evolucionado muchísimo, tanto en procesos industriales como en materiales, componentes, formas de trabajar, entre otros. Sin embargo, a diferencia de otros sectores, ha seguido apostando por la componente humana y su valor añadido, encontrado un justo equilibrio entre industria, tecnología y labor manual, por lo menos hasta ahora. 

Y nuestro trabajo como diseñadores y creativos sigue siendo de momento imprescindible. Y de cara al futuro, espero que siga siendo así: que continuemos aprovechando todo el potencial de las nuevas tecnologías sin prescindir de la «Inteligencia Humana» que, al final, es lo que da sentido, criterio y valor real al diseño.

¿Con quién les gustaría trabajar?

Albert: Pues la verdad es que me encantaría hacer un proyecto con la editora Karimuko New Standar, siempre me ha gustado.

Si no hubieran sido diseñadores, serían…

Albert: Creo que cocinero. Me gusta mucho la cocina y la alquimia que hay en ella. La veo como un mundo abierto de creación y precisión, en el que todo es posible, pero no de cualquier manera. Esto resuena mucho con cómo veo el mundo del diseño industrial.

Andrea: Siempre se me ha dado bien cocinar, y siempre he tenido esa pasión así creo que habría sido chef.

Para conocerlos mejor:

Un color

Albert: No tengo un color favorito

Andrea: Turquesa

Un material

Ambos: Madera

Un diseñador al que admire

Albert: Jasper Morrison

Andrea: Achille Castiglioni

Una pieza que le inspire

Albert: Pipe Chair

Andrea: La silla Wassily de Marcel Breuer

Su rincón favorito de la casa

Albert: El salón

Andrea: Mi butaca con mi lamparita en el salón en invierno y la terraza en verano

Un lugar donde vivir

Albert: En un entorno natural y tranquilo

Andrea: Alguna isla remota de Grecia

Descubre artículos diseñados por Boti de Dominicis Studio en nuestro catálogo.

Con un enfoque camaleónico, Cittadini se adapta al ADN de cada marca sin perder su sello personal: una mirada limpia, irónica y profundamente material. Sus piezas —entre mobiliario, iluminación y objetos de uso cotidiano— combinan claridad estructural con una suavidad visual que invita a la contemplación.

En esta entrevista para OcioHogar, explora su proceso creativo, la importancia de la diversidad cultural en su diseño y su visión sobre el futuro del mobiliario contemporáneo.

Entrevista a Luigi Cittadini 

¿Qué lo llevó a convertirse en diseñador de productos y mobiliario para el hogar?

Crecí en un entorno donde convivían dos mundos: el artístico, de mi madre —pintora—, y el racional, de mi padre, más matemático. Creo que un diseñador debe tener ambas naturalezas: la sensibilidad para crear algo bello y la precisión técnica para hacerlo realizable.

Además, de pequeño visitaba a menudo ferias del mueble y soñaba con ver algún día mis productos expuestos junto a los de las grandes marcas. Creo que ahí es donde todo empezó.

¿Qué debe tener un diseño para convertirse en un éxito?

Es una pregunta difícil, también porque la respuesta cambia con el tiempo y según las personas. Pienso que, ante todo, un proyecto debe representar a quien lo crea. Si no tiene alma, no tiene futuro. Después debe convencer a quien lo producirá, superar los obstáculos técnicos y comerciales, y finalmente llegar al público, tocando fibras emocionales comunes.

Es un camino largo y selectivo. Muchos proyectos se quedan en el camino y, a veces, el que triunfa es justamente el que no esperabas, y viceversa. El diseño también es eso: una fórmula donde la razón no lo explica todo.

Entre todos los productos que ha diseñado, ¿cuál es el que más satisfacción le ha dado?

Hay dos que llevo especialmente en el corazón, por motivos diferentes.

La colección Dante para la marca polaca Take Me Home, porque fue un éxito inesperado y me enseñó que, en diseño, el reconocimiento sigue lógicas misteriosas.

Y luego la silla Cluster para Luxy, un proyecto muy complejo, casi un ejercicio de ingeniería formal, que fue galardonada con el Best of the Year 2022 Award otorgado por Interior Design Magazine en Nueva York. Fue la confirmación de que, a veces, el esfuerzo recibe su recompensa.

¿De dónde proviene su inspiración? ¿Dónde encuentra sus ideas?

Mi inspiración nace de dos direcciones opuestas pero complementarias.

Cuando colaboro con una empresa, lo primero que hago es entrar en su mundo: estudio el catálogo, la identidad, la filosofía. Es la parte más analítica y “científica” de mi proceso.

Después llega el lado más instintivo: absorbo lo que me rodea, desde las formas de la naturaleza hasta un objeto casual sobre el escritorio. A veces, basta un detalle observado durante un paseo para encender una idea. Lo importante es que la inspiración no quede en pura fantasía, sino que se traduzca en algo concreto.

Su trayectoria personal es muy variada: nació en Casablanca, estudió en el Politécnico de Milán, trabajó en Milán y ahora vive en Valencia. ¿De qué manera cree que esta mezcla cultural (Marruecos, Italia, España) influye en su manera de entender el diseño de mobiliario?

Además, tengo raíces italianas y francesas. Es una mezcla bastante compleja, pero creo que justamente esta combinación de culturas me permite ver las cosas desde diferentes ángulos. Me siento libre de no adherirme a una única estética o escuela precisa. Probablemente es eso lo que hace que mi estilo sea un poco “fuera del coro”.

¿Cómo es un día tipo de trabajo para usted?

Empiezo frente al ordenador lo antes posible: e-mails, dibujos, modelado 3D, renders…

Trabajo desde casa, y lo prefiero. La soledad creativa me permite ser completamente libre, sin horarios rígidos ni filtros. Puedo terminar a las tres de la mañana o a las cinco de la tarde; depende de cómo fluya la jornada.

Solo trato de recordarme salir al menos una vez al día a caminar: es el único momento en que la mente se recarga y las ideas se ordenan.

¿Cuál cree que será la pieza de esta temporada?

Creo que estamos en un momento en el que las personas buscan objetos con personalidad, pero sin excesos. Más que una pieza específica, pienso que tendrá éxito aquello que sepa unir funcionalidad y carácter, capaz de adaptarse a distintos espacios y modos de vida.

Percibo una creciente atención hacia objetos honestos, versátiles y duraderos, que transmiten equilibrio y no buscan únicamente sorprender. Personalmente, apostaría por muebles modulares, flexibles, que evolucionan junto a quien los usa.

Su declaración de estilo menciona: “cuando diseño, intento ser camaleónico, adaptarme a la marca con la que trabajo (…) y, al mismo tiempo, añadir un toque de ironía, contraste y suavidad”. ¿Podría contarnos un ejemplo concreto de una colaboración en la que adoptó un enfoque muy diferente al habitual para adaptarse al ADN de la marca? ¿Y cómo logró equilibrar esa adaptación con la preservación de su propia identidad creativa?

La colección Dante, para Take Me Home, es un gran ejemplo. La marca tiene un alma minimalista y sobria, muy distinta de mi enfoque habitual. En ese caso, me sumergí por completo en su estética, trabajando mano a mano con la empresa en cada detalle, hasta lograr un equilibrio entre su estilo y mi visión.

Fue una auténtica experiencia de “camuflaje”.

¿Cómo ve el futuro del diseño de mobiliario?

Creo que el diseño de mobiliario está entrando en una fase más madura. Durante años perseguimos la estética, la originalidad a toda costa, y ahora hay una necesidad creciente de contenido, autenticidad y duración.

El futuro no estará dominado por tendencias, sino por una nueva forma de sobriedad inteligente, donde el proyecto deberá ser bello, sí, pero también sensato y respetuoso con el tiempo de las personas y con los recursos.

Pienso que veremos un regreso a la función como gesto cultural, no solo práctico: objetos que no gritan, pero comunican silenciosamente una forma diferente de habitar.

¿Con quién le gustaría colaborar?

Como diseñadores: Philippe Starck o Nendo.
Como empresas: Pedrali, Sunon o Andreu World.

Si no hubiera sido diseñador, sería…

Quizás fotógrafo.

Para conocerlo mejor:

Un color: el mar
Un material: la madera
Diseñadores que admira: Starck, Nendo, Mendini, Charles y Ray Eames
Un objeto que lo inspira: la butaca Proust de Alessandro Mendini
Su rincón favorito de la casa: Cualquier ventana
Un lugar donde le gustaría vivir: Japón o el Sudeste Asiático

Descubre artículos diseñados por Luigi Cittadini en nuestro catálogo.

Transcripción de la entrevista original en italiano

Cosa l’ha portato a diventare designer di prodotti e mobili per la casa?

Sono cresciuto in un ambiente dove convivevano due mondi: quello artistico di mia madre, pittrice, e quello razionale di mio padre, più matematico. Credo che il designer debba avere entrambe queste nature: la sensibilità per creare qualcosa di bello e l’attenzione tecnica per renderlo realizzabile.

Inoltre da piccolo visitavo spesso fiere del mobile e sognavo di vedere, un giorno, i miei prodotti esposti tra quelli dei grandi marchi. Credo che sia lì che tutto sia cominciato.

Che cosa deve avere un design per trasformarsi in un successo?

Domanda difficile, anche perché la risposta cambia con il tempo e con le persone. Penso che prima di tutto un progetto debba rappresentare chi lo crea. Se non ha un’anima, non ha futuro. Poi deve convincere chi lo produrrà, superare tutti gli ostacoli tecnici e commerciali, e infine arrivare al pubblico, toccando corde emotive comuni. È un percorso lungo e selettivo. Molti progetti si perdono per strada, e a volte il successo capita a quello che non ti aspettavi, e viceversa. Il design è anche questo: una formula dove la ragione non spiega tutto.

Tra tutti i prodotti che ha progettato, qual è quello di cui si sente più soddisfatto?

Ce ne sono due che porto particolarmente nel cuore, per motivi diversi.

La collezione Dante per il marchio polacco Take Me Home, perché è stato un successo inatteso e mi ha insegnato che, nel design, il riconoscimento segue logiche misteriose.

E poi la sedia Cluster per Luxy, un progetto molto complesso, quasi un esercizio d’ingegneria formale, che è stata premiata con il Best of the Year 2022 Award, assegnato da Interior Design Magazine, a New York nel 2022. È stata la conferma che la fatica, ogni tanto, viene premiata.

Da cosa trae ispirazione? Dove trova la sua ispirazione?

La mia ispirazione nasce da due direzioni opposte ma complementari.

Quando collaboro con un’azienda, la prima cosa che faccio è entrare nel suo mondo: studio il catalogo, l’identità, la filosofia. È la parte più analitica e “scientifica” del mio processo.

Poi subentra il lato più istintivo: assorbo ciò che mi circonda, dalle forme della natura a un oggetto casuale sulla scrivania. Può bastare un dettaglio osservato durante una passeggiata per accendere un’idea. L’importante è che l’ispirazione non resti pura fantasia, ma si traduca in qualcosa di concreto.

Il suo percorso personale è molto vario: è nato a Casablanca, ha studiato al Politecnico di Milano, ha lavorato a Milano e ora vive a Valencia. In che modo pensa che questa miscela culturale (Marocco, Italia, Spagna) influenzi il suo modo di intendere il design d’arredo?

In più, ho radici italiane e francesi.

È un mix piuttosto complesso, ma credo che proprio questa combinazione di culture mi permetta di vedere le cose da angolazioni diverse. Mi sento libero di non aderire a un’estetica unica o a una scuola precisa. Probabilmente è questo che rende il mio stile un po’ “fuori dal coro”.

Com’è una sua giornata di lavoro tipo?

Inizio al computer il prima possibile: e-mail, disegni, modellazione 3D, rendering…

Lavoro da casa, e lo preferisco. La solitudine creativa mi permette di essere completamente libero, senza orari rigidi o filtri. Posso finire alle tre del mattino o alle cinque del pomeriggio, dipende da come gira la giornata.

Cerco solo di ricordarmi di uscire almeno una volta al giorno a camminare: è l’unico momento in cui la testa si ricarica e le idee si riordinano.

Quale crede che sarà il pezzo di questa stagione?

Credo che stiamo attraversando un periodo in cui le persone cercano oggetti con personalità, ma senza eccessi. Più che un singolo pezzo, penso che il successo andrà a quelli che sanno unire funzionalità e carattere, capaci di adattarsi ai diversi spazi e modi di vivere. Mi sembra che ci sia sempre più attenzione verso oggetti onesti, versatili e duraturi, che trasmettono equilibrio e non vogliono solo stupire. Personalmente, scommetterei su arredi modulari, flessibili, che si evolvono insieme a chi li usa.

La sua dichiarazione di stile menziona: “quando progetto, cerco di essere camaleontico, di adattarmi al brand con cui sto lavorando (…) e allo stesso tempo aggiungere un tocco di ironia, contrasto e morbidezza”. Potrebbe raccontarci un esempio concreto di una collaborazione in cui ha scelto un approccio molto diverso dal solito per adattarsi al DNA del marchio? E come è riuscito a bilanciare questo adattamento con il mantenimento della propria identità creativa?

La collezione Dante, per Take Me Home, è un ottimo esempio. Il marchio ha un’anima minimalista e sobria, molto distante dal mio approccio abituale. In quel caso mi sono calato completamente nella loro estetica, lavorando a quattro mani con l’azienda su ogni dettaglio, fino a ottenere un equilibrio tra il loro stile e la mia visione.

È stata un’esperienza di vera “mimetizzazione”.

Come vede il futuro del mondo del design d’arredo?

Credo che il design d’arredo stia entrando in una fase più matura. Per anni abbiamo rincorso l’estetica, l’originalità a tutti i costi, e ora c’è un bisogno crescente di contenuto, autenticità e durata. Il futuro non sarà dominato dai trend, ma da una nuova forma di sobrietà intelligente, dove il progetto dovrà essere comunque bello, ma anche sensato e rispettoso del tempo delle persone e delle risorse. Penso che assisteremo a un ritorno alla funzione come gesto culturale, non solo pratica: oggetti che non gridano, ma comunicano silenziosamente un modo diverso di abitare.

Con chi le piacerebbe collaborare?

Come designer Philippe Starck o Nendo, come aziende direi Pedrali, Sunon o Andreu World.

Se non fosse diventato designer, sarebbe…

Forse fotografo.

Per conoscerla meglio:

Un colore: mare

Un materiale: legno

Un designer che ammira: Starck, Nendo, Mendini, Charles e Ray Eames

Un oggetto che la ispira: la poltrona Proust di Alessandro Mendini

Il suo angolo preferito della casa: qualsiasi finestra

Un luogo dove vorrebbe vivere: Giappone o sud-est Asiatico

Arquitecto y diseñador de vocación, Francesc Rifé es una de las figuras más reconocidas del diseño contemporáneo español. Con su propio estudio fundado en Barcelona en 1994, ha sabido fusionar la precisión arquitectónica con la sensibilidad poética de los objetos: su trayectoria combina el rigor de la geometría, el orden del espacio y la elegancia del minimalismo.

Habiendo crecido en un entorno donde la artesanía formaba parte del legado familiar, Rifé lleva en su trabajo la huella de esa herencia: materiales nobles, proporciones calibradas y una búsqueda constante de la armonía. Su estudio multidisciplinar interviene tanto en arquitectura de interiores como en diseño industrial, mobiliario, iluminación y conceptos globales.

En esta entrevista exclusiva para OcioHogar, Francesc Rifé comparte su visión sobre cómo el orden espacial y el silencio formal pueden convertirse en experiencias, cómo un objeto puede recuperar la intensidad del «menos es más», y por qué hoy más que nunca el diseño debe responder a la calidad de vida y al sentido del lugar.

Entrevista a Francesc Rifé

¿Qué le llevó a convertirse en diseñador de productos/muebles para la casa?

Empecé desde la arquitectura interior y muchas veces el espacio me pedía piezas que no encontraba en el mercado. Diseñar muebles fue una consecuencia natural, una manera de completar lo que el interiorismo no resolvía por sí solo.

¿Qué tiene que tener un diseño para convertirse en un éxito?

Coherencia. Cuando una pieza está bien pensada, se nota. No necesita llamar la atención ni explicar demasiado. Simplemente funciona, envejece bien y acompaña la vida de quien la usa.

¿Cuál es, de entre todos los productos que ha diseñado, del que se siente más satisfecho?

Guardo un cariño especial por las piezas que nacen de necesidades muy concretas. La lámpara Peak, por ejemplo, buscaba iluminar rincones con poco espacio, porque las luminarias de pie suelen ser anchas y aparatosas.

El minimalismo es una parte esencial de su trabajo. ¿Cómo entiende usted el acto de depurar una pieza hasta lo imprescindible?

Depurar no es quitar por quitar. Es llegar al punto en que la pieza solo conserva lo que la hace útil y lo que le da sentido. 

¿En qué se inspira? ¿Dónde encuentra la inspiración?

En la luz, en los materiales, en el arte. También en la memoria, en la carpintería, en los oficios, en los objetos que han llevado bien el paso del tiempo.

¿Cómo es un día de trabajo en su vida?

Intenso. Viajo mucho porque me gusta estar cerca del proceso, también del error. Así que he aprendido a diseñar casi en cualquier parte, no solo en el estudio.

Muchos de sus proyectos ponen en valor la artesanía y el trabajo manual. ¿Qué papel juega la artesanía en un mundo donde la tecnología avanza tan rápido?

La artesanía aporta cosas que la tecnología no puede reproducir. No es una oposición, es buscar el equilibrio. La tecnología nos da precisión; la artesanía, emoción. Me interesa combinar ambas para que una complemente a la otra.

¿Cuál cree que va a ser la pieza de esta temporada?

Creo que veremos piezas capaces de adaptarse mejor al ritmo real de la vida. Muebles que ocupan poco, que cambian de función y que resuelven más de lo que aparentan sin complicarlo todo.

¿Cómo ve el futuro en el mundo del diseño de mobiliario?

Más consciente. Materiales responsables, procesos claros y un retorno a la función bien entendida. Y un diseño más práctico, más atento a cómo vive la gente.

¿Con quién le gustaría trabajar?

Con marcas que tengan una relación honesta con los materiales. Cuando hay una mirada común, todo funciona.

Si no hubiera sido diseñador, sería…

Algún trabajo ligado a la gastronomía. La cocina, como el diseño, requiere de técnica, emoción y oficio.

Para conocerle mejor:

Un color: Negro, pero con matices.

Un material: La madera, siempre.

Un diseñador al que admire: Charlotte Perriand. Su manera de unir función, estética y sensibilidad fue insuperable.

Una pieza que le inspire: Las sillas trenzadas de madera y cuerda de Hans J. Wegner.

Su rincón favorito de la casa: No tengo un rincón favorito. Cada espacio tiene su momento y su estado de ánimo.

Un lugar donde vivir: Cerca del mar… y lejos del ruido, si puede ser.

Descubre artículos diseñados por Francesc Rifé en nuestro catálogo.

En esta entrevista exclusiva para OcioHogar, Roccadadria comparte su reflexión sobre la inspiración, el rol de los materiales en el diseño actual y cómo se concibe el mobiliario con alma en un mundo saturado de objetos.

Entrevista a Luca Roccadadria

¿Qué lo llevó a convertirse en diseñador de productos y mobiliario para el hogar?

Siempre he tenido una pasión por los objetos y por el espacio que los alberga. Para mí, el diseño no es solo estética: es una forma de contar historias, emociones y relaciones entre quienes viven con esos objetos y el entorno que los rodea. Con el tiempo, entendí que mi talento y mi curiosidad encontraban su expresión más natural en diseñar muebles y productos que pudieran formar parte de la vida cotidiana de las personas.

¿Qué debe tener un diseño para convertirse en un éxito?

Un buen diseño debe combinar funcionalidad, emoción y autenticidad. Debe ser intuitivo y, al mismo tiempo, sorprender a quien lo usa, sin traicionar su identidad. Solo así puede crear un vínculo real con quien lo elige.

Entre todos los productos que ha diseñado, ¿cuál es el que más satisfacción le ha dado?

Sin duda, la madia Rock. Representa la síntesis de mi recorrido: un objeto contemporáneo y audaz, que juega con materiales y memoria, sin perder elegancia ni funcionalidad. Cada vez que la veo, siento que tiene un carácter único, capaz de contar una historia.

¿De dónde extrae inspiración? ¿Dónde encuentra sus ideas?

Principalmente en el arte y en los materiales. El arte me ayuda a ver más allá de lo convencional, mientras que los materiales me hablan con sus texturas, pesos, luces y fragilidades. La combinación de ambos suele generar esa chispa que da vida a un proyecto.

En muchos de sus proyectos, el vidrio ocupa un rol protagónico. ¿Qué le fascina de este material y qué desafíos encuentra al trabajarlo en piezas de mobiliario contemporáneo?

El vidrio tiene un encanto único: su transparencia, ligereza y reflejos crean un diálogo con la luz y con el espacio circundante. El desafío es transformarlo de un material frágil en el protagonista de un objeto funcional y duradero, a menudo con geometrías complejas y detalles minuciosos que requieren precisión y técnica artesanal.

¿Cómo es un día típico de trabajo para usted?

Siempre empieza con un recorrido entre materiales y bocetos, buscando formas y contrastes. Luego alterno momentos de diseño digital con reuniones junto a artesanos y proveedores. Sin embargo, la parte más estimulante sigue siendo el proceso creativo: experimentar, fallar, corregir, hasta encontrar el equilibrio perfecto entre funcionalidad, estética y poesía.

¿Cuál cree que será la pieza de esta temporada?

Creo que los objetos que cuentan historias, que juegan con materiales y luz, y que mantienen una identidad fuerte, serán los que se destaquen. Más que una sola pieza, serán colecciones capaces de sorprender sin traicionar su función.

Su estilo se distingue por un equilibrio entre memoria y modernidad. ¿Cómo logra transformar recuerdos o referencias del pasado en objetos actuales sin perder frescura y funcionalidad?

Intento captar la esencia de un recuerdo o de una idea del pasado y reinterpretarla mediante materiales, proporciones y técnicas contemporáneas. El pasado se convierte entonces en una huella, un eco que enriquece el presente sin sobrecargarlo, dejando espacio para la frescura, la ligereza y la funcionalidad.

¿Cómo ve el futuro del diseño de mobiliario?

Estará cada vez más ligado a la sostenibilidad, la personalización y las influencias culturales. Los objetos tendrán una historia que contar, más que una simple función que cumplir. Creo que el diseño seguirá siendo una herramienta para emocionar, sorprender y mejorar la calidad de vida.

¿Con quién le gustaría colaborar?

Con artistas, artesanos y marcas que no tengan miedo de experimentar. Quienes saben unir tradición e innovación, como muy pocos hoy, siempre son una fuente de estímulo e inspiración.

Si no hubiera sido diseñador, sería…

Un artista en sentido amplio. Mi curiosidad y mi deseo de crear formas y atmósferas no se habrían detenido.

Para conocerlo mejor:

Un color: azul
Un material: madera
Un diseñador que admira: Fabio Novembre
Un objeto que lo inspira: una escultura o obra de arte que cuente una historia
Su rincón favorito de la casa: el living
Un lugar donde le gustaría vivir: en la montaña, a gran altura

Descubre artículos diseñados por Luca Roccadadria en nuestro catálogo.

Transcripción de la entrevista original en italiano

Cosa l’ha portato a diventare designer di prodotti e mobili per la casa?

Ho sempre avuto una passione per gli oggetti e per lo spazio che li ospita. Il design per me non è solo estetica: è un modo di raccontare storie, emozioni e relazioni tra chi vive quegli oggetti e lo spazio attorno. Crescendo, ho capito che il mio talento e la mia curiosità trovavano la loro forma più naturale nel progettare mobili e prodotti che potessero diventare parte della vita quotidiana delle persone.

Che cosa deve avere un design per trasformarsi in un successo?

Un buon design deve combinare funzionalità, emozione e autenticità. Deve essere intuitivo e allo stesso tempo sorprendere chi lo usa, senza mai tradire la propria identità. Solo così può creare un legame reale con chi lo sceglie.

Tra tutti i prodotti che ha progettato, qual è quello di cui si sente più soddisfatto?

Senza dubbio la madia Rock. Rappresenta la sintesi del mio percorso: un oggetto contemporaneo, audace, che gioca con i materiali e la memoria, senza perdere eleganza e funzionalità. Ogni volta che la vedo, sento che ha un carattere unico, capace di raccontare una storia.

Da cosa trae ispirazione? Dove trova la sua ispirazione?

Principalmente dall’arte e dai materiali. L’arte mi aiuta a vedere oltre il convenzionale, mentre i materiali mi parlano con le loro texture, pesi, luci e fragilità. La combinazione dei due genera spesso quella scintilla che dà vita a un progetto.

In molti dei suoi progetti il vetro occupa un ruolo da protagonista. Che cosa la affascina di questo materiale e quali sfide incontra nel lavorarlo in pezzi di arredamento contemporaneo?

Il vetro ha un fascino unico: trasparenza, leggerezza e riflessi creano un dialogo con la luce e lo spazio circostante. La sfida è trasformarlo da materiale fragile a protagonista di un oggetto funzionale e duraturo, spesso con geometrie complesse e dettagli minuziosi che richiedono precisione e tecnica artigianale.

Com’è una sua giornata di lavoro tipo?

Inizia sempre con una passeggiata tra materiali e schizzi, cercando forme e contrasti. Poi alterno momenti di progettazione digitale a incontri con artigiani e fornitori. La parte più stimolante resta però il processo creativo: sperimentare, fallire, correggere, fino a trovare l’equilibrio perfetto tra funzionalità, estetica e poesia.

Quale crede che sarà il pezzo di questa stagione?

Credo che gli oggetti che raccontano storie, giocano con materiali e luce e mantengono un’identità forte siano destinati a emergere. Non solo un singolo pezzo, ma piuttosto collezioni che sorprendono senza tradire la loro funzione.

Il suo stile si distingue per un equilibrio tra memoria e modernità. Come riesce a trasformare ricordi o riferimenti del passato in oggetti attuali senza perdere freschezza e funzionalità?

Cerco di cogliere l’essenza di un ricordo o di un’idea del passato e reinterpretarla con materiali, proporzioni e tecniche contemporanee. Il passato diventa allora una traccia, un’eco che arricchisce il presente senza mai appesantirlo, lasciando spazio a freschezza, leggerezza e funzionalità.

Come vede il futuro del mondo del design d’arredo?

Sarà sempre più legato a sostenibilità, personalizzazione e contaminazioni culturali. Gli oggetti avranno una storia da raccontare, più che una semplice funzione da assolvere. Credo che il design continuerà a essere uno strumento per emozionare, sorprendere e migliorare la qualità della vita.

Con chi le piacerebbe collaborare?

Artisti, artigiani e marchi che non hanno paura di sperimentare. Chi sa unire tradizione e innovazione, come fanno pochi oggi, è sempre fonte di stimolo e ispirazione.

Se non fosse diventato designer, sarebbe…

Artista a tutto tondo. La mia curiosità e il desiderio di creare forme e atmosfere non si sarebbero fermati.

Per conoscerla meglio:

Un colore: blu

Un materiale: legno

Un designer che ammira: Fabio Novembre

Un oggetto che la ispira: Una scultura o un’opera d’arte che racconta una storia

Il suo angolo preferito della casa: il Living

Un luogo dove vorrebbe vivere: in montagna ad alta quota

Arquitecto de formación y diseñador por vocación, Roberto Paoli es una de las figuras más versátiles y sensibles del diseño italiano contemporáneo. A lo largo de su trayectoria ha sabido conjugar la funcionalidad con la emoción, la precisión arquitectónica con la intuición artística. Desde sus primeras colaboraciones con firmas como Nemo, Ligne Roset o Fiam, Paoli ha consolidado un lenguaje propio en el que la luz, la memoria y la ironía conviven en equilibrio.

En esta entrevista exclusiva para OcioHogar, el diseñador comparte sus ideas sobre la inspiración, la evolución del diseño industrial y la responsabilidad creativa en un mundo saturado de objetos.

Entrevista a Roberto Paoli

¿Qué lo llevó a convertirse en diseñador de productos y mobiliario para el hogar?

En realidad, mi trayectoria comenzó con estudios bastante tradicionales: estudié arquitectura en Florencia y me gradué en historia de la arquitectura. Sin embargo, siempre tuve una gran pasión por el diseño. Una vez finalizada la universidad, me orienté inmediatamente hacia este ámbito. Ya durante mis estudios universitarios, en los años 90, había elegido algunas materias y proyectos más ligados al mundo del diseño.

En Florencia existía una división de diseño industrial con nombres realmente importantes, y eso me dio la primera oportunidad de acercarme a un mundo que ya sentía como mi vocación.

¿Qué debe tener un diseño para convertirse en un éxito?

Creo que un diseño exitoso debe saber hablarle a las personas de forma sencilla pero profunda, uniendo funcionalidad y estética, respondiendo a una necesidad real o creando una conexión emocional. Además, uno de mis maestros, Castiglioni, enseñaba que un objeto destinado a perdurar en el tiempo debe tener dos ingredientes: ironía y memoria.

Ironía, en el sentido de romper un poco los esquemas y quizá provocar una sonrisa; y memoria, porque una referencia al pasado puede reconfortar a quien usa el objeto. Son dos elementos que trato de incluir a menudo en mis proyectos para dar vida a un buen diseño.

De todos los productos que ha diseñado, ¿cuál es el que más lo satisface?

En realidad, hay muchos que aprecio, pero entre mis favoritos está la lámpara de pie Tru para Nemo. Es realmente la síntesis perfecta de cómo concibo un objeto: una pieza que tiende casi a desaparecer como presencia física, privilegiando la luz. Hay un punto de vista desde el cual, al mirarla, no percibes ningún grosor y casi no entiendes de dónde proviene la luz. Fue una gran satisfacción ver cómo una idea así cobraba vida de una forma tan fiel a mi visión.

¿En qué se inspira? ¿Dónde encuentra la inspiración?

La inspiración está realmente en todas partes. Sin duda, tomo mucho del mundo del arte, de la evolución de las formas y del estado del arte en general. Pero también puede venir de muchas otras situaciones: de la naturaleza —observando una flor o una mariposa—, de un viaje, o de un objeto antiguo que encuentro en un mercado. Moverse, viajar, visitar lugares, o simplemente pasear por la naturaleza y observar cómo se hacían ciertos objetos antes… todo eso puede encender esa chispa que luego genera una idea. En definitiva, la inspiración nace de la observación constante y de la curiosidad por todo lo que nos rodea.

Seminato Mercadante no es solo un estudio, sino también un espacio expositivo en un edificio histórico de Milán. ¿Cómo influye ese entorno en su proceso creativo y qué tipo de diálogo busca establecer entre ese lugar y los objetos que diseña?

Seminato del Mercadante fue mi espacio de trabajo durante más de diez años. Era una antigua tienda de accesorios para autos y motos que renové manteniendo su atmósfera original: pisos de terrazo, carpintería de época, todo conservado lo más posible como estaba. Mis objetos encontraban allí un diálogo natural con el pasado.

Ahora me he trasladado a un nuevo espacio, llamado La Panetteria del Seminato, que era una vieja panadería también conservada con sus materiales originales. Mantuvimos las paredes revestidas de azulejos blancos, los pisos de graniglia, dejando todo como era antes, pero con funcionalidades modernas. De este modo, siempre hay una referencia al pasado que se integra perfectamente con mis objetos, creando una comunicación continua entre el espacio y el diseño.

¿Cómo es un día de trabajo en su vida?

Mi jornada laboral siempre es una mezcla. Generalmente paso parte del día en la oficina, intercambiando ideas con mis colaboradores, haciendo reuniones para activar nuevos proyectos y desarrollar ideas. Pero mi trabajo no se detiene ahí. La inspiración no llega solo estando frente a una computadora o encerrado en el estudio, por más que sea un espacio diseñado para fomentar la creatividad. En realidad, una parte fundamental de mi trabajo ocurre cuando viajo, cuando conozco gente, cuando visito lugares. 

Cada desplazamiento, cada experiencia fuera del estudio, es una oportunidad para encontrar nuevas ideas. Así que, incluso explorar el mundo forma parte de mi trabajo.

¿Cuál cree que será la pieza de esta temporada?

En cuanto a mi producción, diría que la última pieza en la que apostamos mucho es la silla Pad, que diseñé para Connubia. Es una silla acolchada tanto en el asiento como en el respaldo, con una estructura metálica muy simple que recuerda un poco las líneas de los años 70 y 80. Hay un toque de ironía en el hecho de que esa estructura delgada sostenga dos cojines bastante presentes, lo que la hace cómoda y visualmente un poco divertida.

Además, es una pieza muy ingeniosa: tiene colores frescos, un diseño joven y un precio accesible, pensada también para quienes amueblan su primera casa. Así que diría que la silla Pad podría ser realmente la pieza de esta temporada… y probablemente también de las próximas.

¿Cómo ve el futuro del mundo del diseño del mueble?

No es fácil decirlo, porque lo veo con altibajos. A esta altura de mi carrera, he visto al mercado oscilar muchas veces: hay períodos de auge y otros de desaceleración, lo cual depende a menudo de las situaciones globales, de las incertidumbres políticas o económicas. Cuando la gente está preocupada, tiende a frenar las compras; cuando hay más serenidad, también hay más ganas de invertir en nuevos productos.

Dicho esto, dejando de lado esos factores externos, me mantengo optimista. Veo el mundo del diseño en crecimiento, porque las personas están cada vez más atentas a rodearse de objetos bellos y a mejorar su entorno. En definitiva, soy optimista.

¿Con quién le gustaría trabajar?

Debo decir que soy muy afortunado, porque las grandes marcas con las que soñaba colaborar hoy son mis clientes, así que estoy realmente satisfecho. Sin embargo, debo admitir que me encantaría trabajar con IKEA. El diseño industrial, por su propia naturaleza, debería estar abierto a un público amplio, aunque a veces algunos productores lo hayan vuelto un poco elitista. IKEA, en cambio, logra mantener una estética agradable y accesible para muchos, lo que la convierte en un canal de expresión perfecto para un diseñador.

Ha ganado numerosos Good Design Awards con piezas muy diferentes (espejos, lámparas, mesas, sillas). ¿Cómo ha evolucionado su visión del diseño en esta década y qué valor le da a este reconocimiento?

Sí, ciertamente los premios son una especie de confirmación de que uno va en la dirección correcta y de que lo que hago gusta. Me dan consuelo y me motivan a seguir. Sin embargo, en estos años mi visión del diseño se ha vuelto cada vez más selectiva, porque vivimos en un mundo saturado de objetos. 

Cuando decido crear uno nuevo, debe haber una motivación fuerte detrás: no quiero simplemente añadir una alternativa a lo que ya existe. Por eso mis objetos premiados son tan distintos entre sí: los creo solo cuando tengo una idea que realmente merece existir. Ese es el valor que encuentro en los reconocimientos: me animan a seguir por este camino, a hacer diseño con responsabilidad.

Si no hubiera sido diseñador, habría sido…

Un rockstar.

Para conocerlo mejor:

Un color: verde
Un material: cemento
Un diseñador que admira: Piero Lissoni
Una pieza que lo inspira: la Poltrona Utrecht de Rietveld para Cassina
Su rincón favorito de la casa: la cocina
Un lugar donde vivir: París

Transcripción de la entrevista original en italiano

Cosa l’ha portata a diventare designer di prodotti/arredi per la casa?

In realtà il mio percorso è iniziato con studi piuttosto tradizionali: ho studiato architettura a Firenze e mi sono laureato in storia dell’architettura. Tuttavia ho sempre avuto una grande passione per il design. Una volta conclusa l’università, mi sono subito orientato verso questo ambito. Già durante il mio percorso universitario negli anni ’90, infatti, avevo scelto alcuni esami e progetti più legati al mondo del design. A Firenze c’era una divisione di disegno industriale con nomi davvero importanti, e questo mi ha dato la prima opportunità di avvicinarmi a un mondo che già sentivo come una mia vocazione.

Che cosa deve avere un design per trasformarsi in un successo?

Credo che un design di successo debba saper parlare alle persone in modo semplice ma profondo, unendo funzionalità ed estetica e rispondendo a un bisogno reale o creando una connessione emotiva.
In più, uno dei miei maestri, Castiglioni, insegnava che un oggetto destinato a durare nel tempo deve avere due ingredienti: ironia e memoria.

Ironia, nel senso di rompere un po’ gli schemi e far magari scappare un sorriso, e memoria, perché un riferimento al passato può rassicurare chi usa l’oggetto. Sono due elementi che cerco spesso di inserire nei miei progetti per dare vita a un buon design.

Qual è, tra tutti i prodotti che ha disegnato, quello di cui si sente più soddisfatto?

In realtà ce ne sono tanti che apprezzo, ma tra i miei preferiti c’è la lampada da terra Tru per Nemo. È davvero la sintesi perfetta di come concepisco l’oggetto: un pezzo che tende quasi a scomparire come presenza fisica, privilegiando la luce. C’è un punto di vista, guardandola, in cui non percepisci alcuno spessore e quasi non capisci da dove arrivi la luce. È stata una grande soddisfazione vedere un’idea così prendere vita in modo così fedele alla mia visione.

A cosa si ispira? Dove trova l’ispirazione?

L’ispirazione è davvero ovunque. Inizio col dire che sicuramente traggo molto dal mondo dell’arte, dall’evoluzione delle forme e dello stato dell’arte in generale.

Ma poi, davvero, l’ispirazione può arrivare da tantissime situazioni: dalla natura, magari osservando un fiore o una farfalla, oppure da un viaggio, da un oggetto del passato che vedo in un mercatino.

Muoversi, viaggiare, visitare, ma anche semplicemente passeggiare nella natura o guardare come erano fatti certi oggetti un tempo, tutto questo può accendere quella scintilla che poi genera un’idea. Insomma, l’ispirazione nasce davvero dall’osservazione continua e dall’essere curiosi di tutto ciò che ci circonda.

Seminato Mercadante non è solo uno studio ma anche uno spazio espositivo in un edificio storico di Milano. In che modo questo ambiente influisce sul suo processo creativo e che tipo di dialogo cerca di stabilire tra quel luogo e gli oggetti che progetta?

Seminato del Mercadante è stato il mio spazio di lavoro per oltre dieci anni. Era un vecchio negozio di accessori per auto e moto che ho ristrutturato mantenendo l’atmosfera originaria: pavimenti in seminato, infissi d’epoca, tutto lasciato il più possibile com’era. I miei oggetti trovavano lì un dialogo naturale con il passato.

Ora però mi sono spostato in un nuovo spazio, chiamato La Panetteria del Seminato, che era una vecchia panetteria anch’essa mantenuta nei materiali originali. Abbiamo mantenuto le pareti rivestite di mattonelle bianche, i pavimenti di graniglia, lasciando tutto come era un tempo, ma con le funzionalità moderne.

In questo modo c’è sempre un richiamo al passato che si integra perfettamente con i miei oggetti, creando una comunicazione continua tra lo spazio e il design.

Com’è una sua giornata di lavoro?

La mia giornata di lavoro è sempre un mix. Di solito passo una parte della giornata in ufficio, confrontandomi con i miei collaboratori, facendo meeting per attivare nuovi progetti e sviluppare idee.
Però la mia giornata lavorativa non si ferma certo lì. L’ispirazione non arriva soltanto stando davanti a un computer o restando chiusi in studio, per quanto sia uno spazio che ho progettato per favorire la creatività.
In realtà, una parte fondamentale del mio lavoro avviene quando viaggio, quando incontro persone, quando visito luoghi. Ogni spostamento, ogni esperienza fuori dal mio spazio di lavoro è un’occasione per trovare nuove idee. Quindi anche il semplice esplorare il mondo fa parte del mio lavoro.

Quale crede sarà il pezzo di questa stagione?

Per quanto riguarda la mia produzione, direi che l’ultimo pezzo su cui puntiamo molto è la sedia Pad, che ho disegnato per Connubia. È una seduta imbottita, sia nella seduta che nello schienale, con una struttura metallica molto semplice che richiama un po’ le linee degli anni ’70 e ’80.

C’è un tocco di ironia nel fatto che questa struttura esile supporta due cuscini ben presenti, rendendola comoda e anche visivamente un po’ divertente.

In più, è un pezzo davvero furbo: ha colori freschi, un design giovane e un prezzo contenuto, pensato anche per chi sta arredando la sua prima casa. Quindi direi che la sedia Pad potrebbe davvero essere il pezzo di questa stagione, e probabilmente anche delle prossime.

Come vede il futuro del mondo del design del mobile?

Non è facile dirlo, perché lo vedo tra alti e bassi. Arrivato a questo punto della mia carriera, ho visto il mercato oscillare molte volte: ci sono periodi in cui tutto va verso l’alto e altri in cui rallenta, e questo dipende spesso dalle situazioni globali, dalle incertezze politiche o economiche. Quando le persone sono preoccupate, tendono a frenare gli acquisti; quando c’è più serenità, c’è anche più voglia di investire in nuovi prodotti. Detto questo, se non consideriamo questi fattori esterni, io rimango ottimista.

Vedo il mondo del design in crescita, perché le persone sono sempre più attente a circondarsi di oggetti belli e a migliorare il proprio ambiente. Quindi, in fin dei conti, sono fiducioso.

Con chi le piacerebbe lavorare?

Devo dire che sono molto fortunato, perché i grandi brand con cui ambivo collaborare sono già oggi miei clienti, quindi sono davvero soddisfatto. Tuttavia, devo ammettere che mi piacerebbe molto lavorare con IKEA.

Il design industriale, per sua natura, dovrebbe essere aperto a un pubblico molto ampio, anche se a volte alcuni produttori lo hanno reso un po’ elitario. IKEA, invece, riesce a mantenere un’estetica piacevole e accessibile a tanti, e questo la rende un canale di espressione perfetto per un designer.

Ha vinto numerosi Good Design Awards con pezzi molto diversi (specchi, lampade, tavoli, sedie). Come si è evoluta la sua visione del design in questo decennio e quale valore trova in questo riconoscimento?

Sì, certamente i premi sono una sorta di conferma che si sta andando nella direzione giusta e che quello che faccio piace. Mi danno conforto e mi spingono a continuare. Tuttavia, in questi anni la mia visione del design è diventata sempre più selettiva, perché viviamo in un mondo saturo di oggetti.

Quando decido di crearne uno nuovo, deve esserci una forte motivazione dietro, non voglio solo aggiungere un’alternativa a ciò che esiste già. Per questo i miei oggetti premiati sono così diversi tra loro: li creo solo se ho un’idea che davvero merita di esistere. E questo è il valore che trovo nei riconoscimenti: mi incoraggiano a continuare su questa strada, a fare design con responsabilità.

Se non fosse stato designer, sarebbe stato…

Una rockstar.

Per conoscerla meglio

Un colore: il verde

Un materiale: il cemento

Un designer che ammira: Piero Lissoni

Un pezzo che la ispira: la Poltrona Utrecht di Rietveld per Cassina

Il suo angolo preferito della casa: la cucina

Un luogo in cui vivere: Parigi

Su trabajo se distingue por una reinterpretación consciente del pasado y una búsqueda constante de la simplicidad como forma esencial de elegancia: nunca banal, siempre pura y capaz de comunicar el sentido auténtico de las cosas. Cada proyecto es, para ellos, un equilibrio entre fantasía y concreción, tradición y contemporaneidad.

A lo largo de su carrera han colaborado con destacadas empresas del sector del mobiliario, la iluminación y los complementos de interior, creando piezas reconocidas tanto por su madurez conceptual como por su éxito en el mercado. Entre sus hitos figuran la inclusión de la colección Diadema de Vistosi en el ADI Design Index (2006) y el Premio VSL Award a la colección Gadora de Evi Style (2016). Su trabajo ha sido publicado en medios de referencia como Domus, Abitare, Interni, Elle Decor, AD Architectural Digest o Vogue Living, consolidando su posición como uno de los dúos más interesantes del diseño italiano contemporáneo.

Entrevista a Michele Romani y Mauro Saccani | Romani Saccani Architetti Associati

¿Qué los llevó a dedicarse al diseño de productos y mobiliario para el hogar?

Después de nuestra formación en el ISA de Monza con especialización en Diseño Industrial, fue natural continuar y profundizar en esos temas. Con el tiempo, constatamos que manipular objetos tridimensionales que antes existían sólo en nuestra mente nos daba placer y una cierta satisfacción. Empezamos diseñando una lámpara en PET reciclado para un concurso patrocinado por Legambiente y desde allí comenzó todo.

¿Qué debe tener un diseño para convertirse en un éxito?

Principalmente debe cumplir con la función para la que fue concebido, añadiendo un toque de novedad y poesía para hacerlo empático y deseable.

¿Cuál es, entre todos los productos que han diseñado, el que más satisfacción les ha dado?

Después de la colección DIADEMA de Vistosi, presentada en 2005 —nuestro primer producto industrial y la primera colaboración profesional de gran relevancia, que este año celebra 20 años de producción y se mantiene como uno de los bestsellers de la empresa—, probablemente el producto más logrado sea el candelabro componible de desarrollo horizontal PUPPET Ring de Vistosi, presentado en 2019, destacable por la complejidad y la madurez de su diseño.

Hubo mucho trabajo para definir las diversas combinaciones que pueden extenderse manteniendo invariables las perforaciones de unión entre los diferentes anillos base. El resultado final fue sorprendente y el reconocimiento del público igualmente positivo.

Han compartido todo el recorrido formativo, desde los años en el Instituto de Arte de Monza hasta la licenciatura en el Politécnico de Milán, culminando con una tesis premiada por la Región de Lombardía. ¿De qué manera esta experiencia común ha influido en su enfoque proyectual y en su visión del diseño?

Después de tantos años de convivencia diaria conocemos tan bien los gustos y opiniones del otro que difícilmente nuestros pareceres son discordantes; al contrario, el proceso creativo es bastante directo y especialmente simbiótico.

¿De dónde extraen inspiración? ¿Dónde la encuentran?

Las líneas guía son sustancialmente siempre las mismas: primero se procede con una investigación amplia y profunda de modelos y referencias tanto históricos como contemporáneos relacionados con el brief a desarrollar. Luego viene la fase de nuestras propuestas, que a menudo se inspiran directamente en la naturaleza, que nunca deja de sorprendernos y estimularnos.

¿Cómo es un día de trabajo en su vida?

Las ocho horas que pasamos uno al lado del otro transcurren rápidamente entre una producción continua de bocetos a mano alzada, selección de colores y acabados que luego se verifican y proporcionan con AutoCAD. Solo si ambos los aprobamos, se procede a confeccionar documentos más completos y ricos en información para presentar a las distintas empresas.

¿Cuál creen que será la pieza destacada de esta temporada?

Es difícil preverlo. Creemos mucho en la última colección GLOBOSE diseñada para Vistosi, pero estamos igualmente emocionados por una nueva colaboración que comenzará en octubre y que nos pondrá a prueba con un material para nosotros aún inexplorado, rico en sorpresas e imprevistos que todavía no podemos revelar. 

¿Cómo ven el futuro del mundo del diseño de mobiliario?

Si fuera previsible, no existiría siquiera la sorpresa de descubrirlo. Lo cierto es que hoy cada producto debe cuidarse cada vez más en la definición y calidad del detalle, en la posibilidad de personalización y en la búsqueda de acabados inéditos, cada vez más artísticos y menos estereotipados.

¿Con quién les gustaría colaborar?

Es fácil soñar con una colaboración con nombres de la iluminación como FLOS, ARTEMIDE, BAROVIER&TOSO, DAVIDE GROPPI, VIBIA o BROCKIS, y del mobiliario como LEMA, ZANOTTA, MDF Italia o GEBRÜDER THONET VIENNA, todas empresas que apreciamos mucho y con las que encontramos una cierta sintonía estilística, por la posibilidad de experimentar y de trazar un recorrido de crecimiento continuo, que pueda evolucionar año tras año en colecciones relacionadas y siempre diversificadas.

Han recibido importantes reconocimientos por las colecciones Diadema y Gadora. ¿Cómo viven la relación entre investigación estética y funcionalidad, sobre todo al crear productos que deben perdurar en el tiempo y destacar en un mercado tan competitivo?

Dar nueva forma a un concepto es siempre muy difícil; a menudo pequeñas modificaciones a un proyecto del pasado te permiten aportar tu punto de vista y aquellas mejoras para actualizarlo y compartirlo con el usuario.

Si no hubieran sido diseñadores, serían…

Mauro, botánico; Michele, chef. ¡Y viceversa!

Para conocerlos mejor:

Un color: Mauro: Naranja | Michele: Gris

Un material: Maurio: Vidrio | Michele: Madera

Un diseñador que admira: Mauro: Vico Magistretti | Michele: Antonio Citterio

Una pieza que lo inspira: Mauro: DOT de Foster + Partners para Lumina | Michele: 2097/30 de Gino Sarfatti para FLOS

Su rincón favorito de la casa: la cocina de concepto abierto integrada al living, donde pasar agradables cenas con amigos y colegas.

Descubre artículos diseñados por Romani Saccani Architetti Associati en nuestro catálogo.

Transcripción de la entrevista original en italiano

Cosa vi ha portati a dedicarvi al design di prodotti e arredi per la casa?

Dopo la nostra formazione all’ISA di Monza con indirizzo Design Industriale è stato naturale proseguire e approfondire tali tematiche. Col tempo abbiamo constatato che manipolare oggetti tridimensionali che prima esistevano solo nella nostra mente ci dava piacere e una certa soddisfazione. Abbiamo iniziato disegnando una lampada in PET riciclato per un concorso patrocinato da Legambiente e da lì è partito tutto.

Cosa deve avere un design per diventare un successo?

Deve principalmente soddisfare la funzione per cui è stato pensato, aggiungendo un pizzico di novità e poesia per renderlo empatico e desiderabile.

Qual è, tra tutti i prodotti che avete progettato, quello di cui vi sentite più soddisfatti?

Dopo la collezione DIADEMA di Vistosi, presentata nel lontano 2005, che rappresenta il nostro primo prodotto industriale e sancisce la nostra prima importante collaborazione professionale (quest’anno festeggia 20 anni di produzione, uno dei bestseller dell’Azienda), probabilmente il prodotto più riuscito è il lampadario componibile a sviluppo orizzontale PUPPET Ring di Vistosi, presentato nel 2019, per la complessità e maturità del prodotto stesso. C’è stato molto lavoro per arrivare alla definizione delle varie combinazioni che possono estendersi mantenendo invariate le forature di innesto tra i vari anelli base. Il risultato finale è stato sorprendente e altrettanto positivo l’apprezzamento del pubblico.

Avete condiviso l’intero percorso formativo, dagli anni dell’Istituto d’Arte di Monza fino alla laurea al Politecnico di Milano, culminando con una tesi premiata dalla Regione Lombardia. In che modo questa esperienza comune ha influenzato il vostro approccio progettuale e la vostra visione del design?

Dopo tanti anni di frequentazione giornaliera conosciamo così bene i gusti e le opinioni dell’altro che difficilmente i nostri pareri sono discordanti. Anzi, il percorso creativo è piuttosto schietto e particolarmente simbiotico.

Da cosa traete ispirazione? Dove trovate l’ispirazione?

Le linee guida sono sostanzialmente sempre le stesse: dapprima si procede con una nutrita e approfondita ricerca di modelli e riferimenti sia storici che contemporanei inerenti al brief da sviluppare, alla quale segue la fase delle nostre proposte che spesso traggono ispirazione direttamente dalla natura, che non smette mai di sorprenderci e stimolarci.

Com’è una giornata di lavoro nella vostra vita?

Le otto ore passate fianco a fianco scorrono velocemente tra una produzione continua di schizzi a mano libera, la scelta di colori e finiture che poi andranno verificati e proporzionati con AutoCAD. Solo se approvati da entrambi si procede a confezionare degli elaborati più completi e ricchi di informazioni da sottoporre alle varie Aziende.

Quale credete sarà il pezzo di punta di questa stagione?

Difficile prevederlo. Crediamo molto nell’ultima collezione GLOBOSE disegnata per Vistosi, ma siamo altrettanto emozionati per una nuova collaborazione che partirà a ottobre e che ci metterà alla prova con un materiale per noi ancora inesplorato, ricco di sorprese e imprevisti che non possiamo ancora svelare. Seguiteci per avere nuovi aggiornamenti.

Come vede il futuro del mondo del design di mobili?

Se fosse prevedibile non ci sarebbe neppure la sorpresa di scoprirlo. Certo è che oggi ogni prodotto va sempre più curato nella definizione e qualità del dettaglio, nella possibilità di personalizzazione e nella ricerca di finiture inedite, sempre più artistiche e sempre meno stereotipate.

Con chi vi piacerebbe collaborare?

È facile sognare una collaborazione con nomi dell’illuminazione come FLOS, ARTEMIDE, BAROVIER&TOSO, DAVIDE GROPPI, VIBIA o BROKIS, e dell’arredamento come LEMA, ZANOTTA, MDF Italia o GEBRÜDER THONET VIENNA. Sono tutte aziende che apprezziamo molto e con le quali ritroviamo una certa sintonia stilistica, per la possibilità di sperimentare e impostare un percorso di crescita continuativo, che possa evolvere di anno in anno in collezioni correlate e sempre diversificate.

Avete ricevuto importanti riconoscimenti per le collezioni Diadema e Gadora. Come vivete il rapporto tra ricerca estetica e funzionalità, soprattutto quando si tratta di creare prodotti che devono durare nel tempo e distinguersi in un mercato così competitivo?

Dare nuova forma a un concetto è sempre molto difficile. Spesso piccole modifiche a un progetto del passato ti permettono di portare il tuo punto di vista e quelle migliorie per attualizzarlo e condividerlo con l’utente.

Se non foste diventati designer, sareste…

Mauro un botanico, Michele uno chef. E viceversa!

Per conoscervi meglio:

Un colore: Mauro: Arancio | Michele: Grigio

Un materiale: Mauro: Vetro | Michele: Legno

Un designer che ammirate: Mauro: Vico Magistretti | Michele: Antonio Citterio

Un pezzo che vi ispira: Mauro: DOT di Foster + Partners per Lumina | Michele: 2097/30 di Gino Sarfatti per FLOS

Il vostro angolo preferito della casa: la cucina openspace aperta sul living, dove trascorrere piacevoli cene con amici e colleghi.

En 1984 fundó en Barcelona el Jorge Pensi Design Studio, especializado en mobiliario, iluminación y arquitectura efímera. Sus creaciones destacan por la claridad formal, la sobriedad y la atemporalidad, convirtiéndose en referentes del diseño internacional. Entre sus clientes se encuentran firmas de prestigio como Andreu World, Pedrali, Kettal, Cassina y Expormim.

A lo largo de su trayectoria, Pensi ha sido galardonado con múltiples premios, entre ellos el Premio Nacional de Diseño de España (1997), que reconoce su contribución a la innovación y excelencia en el sector. Su icónica silla Toledo, diseñada en aluminio en 1988, es considerada un clásico universal y un ejemplo de su visión funcional y poética del diseño.

Además de su labor creativa, Jorge Pensi ha participado activamente en conferencias, exposiciones y actividades docentes en todo el mundo, compartiendo su experiencia y defendiendo un diseño que une emoción, utilidad y belleza.

Entrevista a Jorge Pensi

¿Qué le llevó a convertirse en diseñador de productos/muebles para la casa?

Mientras cursaba la carrera de Arquitectura en Buenos Aires tuve la posibilidad de realizar varios proyectos de interiorismo, y poco después de diseñar colecciones de mobiliario y objetos de autoproducción.

¿Qué tiene que tener un diseño para convertirse en un éxito?

Cuando diseño no pienso en el éxito, solo considero la posibilidad de que el objeto resista el paso del tiempo, fuera de las tendencias del momento, que sea atemporal.

¿Cuál es, de entre todos los productos que ha diseñado, del que se siente más satisfecho?

En toda mi trayectoria evidentemente juega un papel importante la silla Toledo, la cual permitió que Pensi Design Studio fuese reconocido a través de todas las publicaciones alrededor del mundo.

¿En qué se inspira? ¿Dónde encuentra la inspiración?

La inspiración aparece de repente, no hay que buscarla, pero influye de manera muy importante la química que se produce.

Ha ofrecido conferencias y workshops en distintas partes del mundo. ¿Qué le interesa transmitir a las nuevas generaciones de diseñadores?

Siempre pongo especial énfasis en transmitir a los jóvenes diseñadores que sean humildes, que no busquen el éxito, que trabajen duro para sacar de ellos mismos lo mejor que puedan ofrecer.

¿Cómo es un día de trabajo en su vida?

A las 10 de la mañana café con el equipo, luego brain storming para verificar si lo que estamos proponiendo es correcto, trabajo en equipo hasta que llega la hora de comer.

¿Cuál cree que va a ser la pieza de esta temporada?

En mi caso particular mi pieza de la temporada será la lámpara Moon que se presentará en el Design Hub de Barcelona, en la exposición Luce dentro del marco de la Barcelona Design Week el 7 de octubre. Moon es una pieza de edición limitada producida por INlumen editions, según las nuevas tendencias de Art Design, que son piezas producidas donde la artesanía cumple un papel muy importante.

¿Cómo ve el futuro en el mundo del diseño de mobiliario?

Creo que Art Design puede ser un soplo de aire fresco en este sector tan saturado.

¿Con quién le gustaría trabajar?

Me hubiese emocionado profundamente trabajar junto a Charles Eames.

Si no hubiera sido diseñador, sería…

Dado que también soy músico, si no hubiera sido arquitecto y diseñador solo hubiese sido compositor y cantante.

Para conocerle mejor:

Un color: Depende del objeto y la ocasión.

Un material: Cada producto tiene un material adecuado.

Un diseñador al que admire: Charles y Ray Eames.

Una pieza que le inspire: Una lámpara con una luz inspiradora.

Su rincón favorito de la casa: Mi estudio de grabación.

Un lugar donde vivir: Vilopriu, en el Baix Empordá, Girona.

Descubre artículos diseñados por Jorge Pensi en nuestro catálogo.

Héctor Serrano es un diseñador industrial valenciano con una trayectoria consolidada entre Londres y Valencia, donde combina innovación, funcionalidad y una sensibilidad profundamente humana. Fundó su estudio en 2000 tras formarse en el Royal College of Art, y desde entonces ha desarrollado proyectos de producto, espacios y comunicación para firmas como FontanaArte, Roca, Gandía Blasco o Seletti, entre muchas otras.

Su trabajo se distingue por reinterpretar objetos cotidianos con ingenio y cercanía, dando lugar a piezas icónicas como la lámpara Superpatata, que lo catapultó internacionalmente. Ha sido premiado con reconocimientos como el Red Dot Design Award o el Premio Nacional de Diseño 2024, y su obra forma parte de museos como el Cooper-Hewitt de Nueva York o el V&A de Londres.

Con sede actual en Valencia, su enfoque creativo une sostenibilidad, emoción y funcionalidad, posicionándolo como una de las voces más reconocidas del diseño contemporáneo español.

Entrevista a Héctor Serrano

¿Qué le llevó a convertirse en diseñador de productos/muebles para la casa?

Yo era un mal estudiante, de hecho repetí el que antes se llamaba COU, el último curso antes de la carrera. Un amigo me comentó que había una carrera que se llamaba diseño que estaba basada todo en proyectos y con muy poco de codos, así que allí fui yo, sonaba interesante. Descubrí entonces el diseño que era totalmente desconocido para mi y pase del peor estudiante a uno de los mejores. Es lo que sucede cuando encuentras lo que te gusta y motiva. Lo curioso es que a varios compañeros de carrera que son ahora extraordinarios diseñadores les pasó exactamente igual. 

¿Qué tiene que tener un diseño para convertirse en un éxito?

Esto creo que no lo sabe nadie. No creo que haya una fórmula mágica para acertar, si lo hubiera, sería muy fácil. Prefiero hablar de un buen diseño que con suerte se pueda convertir en éxito. 

En este sentido creo un buen diseño tiene que conectar con la persona, que diga mucho con muy poco, que guste y no sabes porque, tiene que seducir sin intentar, enamorar de cerca, no pasar de moda, que al verlo te atraiga y cuando lo toques te alucine, que guste más cuanto más lo uses, tienen que producir un cierto deja vu siendo sorprendentemente original, ser modesto y sencillo.

¿Cuál es, de entre todos los productos que ha diseñado, del que se siente más satisfecho?

Esto es como preguntarle a un padre cuál es su hijo favorito. Todos son importantes y a todos les ponemos todo el cariño para llegar al mejor resultado posible. Dicho esto uno de los más recientes y que son especialmente significativos es el proyecto Tierra, Mar y Aire para Faro Barcelona. 

La colección es un homenaje a la naturaleza de la mano de la impresión 3D con bioplásticos y plásticos reciclados como redes de pesca. Gracias a la tecnología aditiva, podemos no solo fabricar productos con materiales reciclados sino localmente, bajo demanda y sin necesidad de moldes, reduciendo así el estocaje, transporte y en consecuencia su impacto ambiental. 

Ha trabajado con empresas de renombre como Muji, Gandía Blasco o Droog Design, y sus piezas han llegado a museos como el Victoria & Albert o el Cooper-Hewitt. ¿Cuál ha sido el mayor reto —o aprendizaje— al adaptar su lenguaje personal a marcas tan distintas y contextos tan variados?

En el estudio hacemos una gran variedad de tipologías de proyectos, desde instalaciones para coachella, un autobús, pasando por mobiliario o iluminación o pequeños productos. Siempre es un reto abordar una nueva tipología y siempre es muy enriquecedor. 

Creo que el no ser especialista en cierto modo te da una capacidad de poder exportar conocimientos de una área a otra aportando una visión especialmente innovadora. Al mismo tiempo requiere un esfuerzo grandísimo porque cada nueva área es un mundo en que hay que aprender constantemente.

¿En qué se inspira? ¿Dónde encuentra la inspiración?

La inspiración está en el día a día, en saber mirar, en tener curiosidad y ver lo que te rodea de forma diferente dependiendo de cómo lo mires e interpretes. Esto tiene que ver con tener el proyecto en la cabeza y, como decía Picasso, “la inspiración existe pero te tiene que encontrarte trabajando”.  Puede venir de una película, una conversación, algo que ves paseando, de un proceso industrial, de descontextualizar un objeto o incluso de otro proyecto. Nuestro proceso de creación no es lineal, requiere ir y volver, probar, testear y experimentar. 

Su trabajo destaca por reinterpretar objetos cotidianos con humor y poesía, como el botijo “La Siesta” o las servilletas “Dress for Dinner”. ¿Qué busca provocar en el usuario con ese enfoque tan personal?

Busca conectar emocionalmente con el usuario. Creo que es importante que nos sintamos identificados de la manera más humana, emocional y extraordinaria posible con el objeto para valorarlo y de esta forma se convierten en atemporales promoviendo el uso responsable y evitar la cultura de usar y tirar.

¿Cómo es un día de trabajo en su vida?

Depende mucho en qué proyecto estamos trabajando. Ahora mismo tenemos una gran variedad de proyectos en marcha y cada uno en fase distinta. Depende de la fase, puede que esté bocetando o revisando detalles de producción. Mucho del tiempo se va en gestionar y en reuniones con los diferentes equipos de trabajo de cada uno de los proyectos.

¿Cuál cree que va a ser la pieza de esta temporada?

No sabría decirte, en la última feria de Milán vi piezas muy interesantes pero es difícil saber si serán o no piezas destacables a largo plazo.

¿Cómo ve el futuro en el mundo del diseño de mobiliario?

Creo que es evidente que como todo nuestro sistema productivo pasa por la sostenibilidad y replantearnos la relación con los recursos naturales. La sencillez y honestidad en las formas y materiales es un valor que es especialmente relevante en el momento en el que vivimos.

¿Con quién le gustaría trabajar?

Me gustaría trabajar con mucha gente, la lista es muy larga. Pero sobre todo lo que veo importante es que sean relaciones a largo plazo y sólidas para construir juntos un buen proyecto.

Si no hubiera sido diseñador, sería…

La verdad es que no creo que pudiera haberme dedicado a otra profesión al menos con la pasión con la que le pongo al ser diseñador.

Para conocerle mejor:

Un color: Todos, depende el uso y el contexto habrá uno más adecuado.

Un material: Lo mismo que con la pregunta de color.

Un diseñador al que admire: Muchos, pero por citar uno diría Castiglioni.

Una pieza que le inspire: Más que una pieza me inspira el día a día.

Su rincón favorito de la casa: El momento de la mesa donde todos los días como con mi mujer e hijos.

Un lugar donde vivir: Cerca del mar.

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Su formación autodidacta se ha nutrido del legado textil de su ciudad natal, Ontinyent, y de una profunda admiración por la cultura anglosajona, elementos que han influido decisivamente en su manera de concebir el diseño como una disciplina hecha a medida. 

Cada proyecto firmado por Ferrero se caracteriza por una narrativa sólida, atención al detalle y una cuidada selección de materiales, con especial atención al equilibrio entre artesanía, tecnología y sostenibilidad.

Desde su estudio en Valencia, Ferrero ha desarrollado mobiliario, espacios e instalaciones para reconocidas firmas nacionales e internacionales, aportando una visión fresca, elegante y emocional que ha sido premiada en certámenes como el German Design Award, IF Design Award, Restaurant & Bar Design Awards o los ADI, entre otros. Su compromiso con la identidad de cada cliente y la capacidad de transformar conceptos en experiencias únicas han posicionado a Estudi{H}ac como un referente del diseño contemporáneo a nivel global.

Entrevista a José Manuel Ferrero

¿Qué le llevó a convertirse en diseñador de productos/muebles para la casa?

Siempre me ha interesado el concepto de crear, de la arquitectura, de las artes plásticas y de la moda. La atracción por el mundo textil y el industrial. Cuando tuve que decidir hacia donde dirigir mis estudios lo tuve muy claro: diseño industrial. Una disciplina que fusiona creatividad, manejo de materiales, conceptualización de ideas y cómo llevarlo a un formato industrial.

Estudié Ingeniería en Diseño Industrial en la Universidad Jaume I de Castellón y, tras colaborar en diferentes estudios de diseño y arquitectura, decidí abrir mi propio estudio de diseño, DESIGN ATELIER.

El origen de mis raíces siempre han sido parte de la esencia de Estudi{H}ac. Ontinyent, mi ciudad natal, está llena de empresas textiles, de grandes empresas que siempre apostaron por creer en algo y convertirlo en realidad. Esa pasión y esfuerzo por conseguir llevar al mundo entero su proyecto, fue para mi el punto de inicio hace 20 años.

Mi Design Atelier está enfocado en diseño de producto e interiorismo, donde cada proyecto nace de un concepto o historia única, combinado con la búsqueda de la elegancia y la simplicidad formal, la creación de patrones únicos y un giro que descoloca y sorprende.

Siempre me han interesado estas dos disciplinas y cómo se entrecruzan en el día a día del estudio. Desde el comienzo he tenido muy clara mi base industrial y ese ha sido el foco principal sobre el cual ha evolucionado y nacido el departamento de diseño de interiores.

Aplico la misma metodología de trabajo a la hora de generar tanto un producto como un espacio interior, al igual que un sastre aplica a la hora de generar un buen traje. Intento conocer primero bien al cliente, y sobre ese primer briefing inicio nuestro proceso creativo, siempre desde una forma 100% industrial

¿Qué tiene que tener un diseño para convertirse en un éxito?

Libertad creativa para crear, que el cliente crea en el proyecto y que haya feeling entre cliente y diseñador. 

¿Cuál es, de entre todos los productos que ha diseñado, del que se siente más satisfecho?

Para mi cada producto deja un rastro y un aprendizaje nuevo que en los siguientes proyectos se ve reflejado de otra manera. El tener esa libertad creativa me permite soñar y crear un nuevo producto, con su propia historia y concepto, lleno de detalles que le aportan un carácter único.

Prácticamente muchos de los productos que hemos diseñado durante estos años siguen dándonos alegrías, nacen con ese punto de sorpresa y diferenciación, pero a su vez tiene el punto de la elegancia que los hace atemporales y muy fáciles de introducir en diversidad de proyectos de interiores. 

La colección Tea y Magnum de Sancal, Vases y Marquis de Vondom, Spyke de Toulemonde Bochart, la colección Hari para Ondarreta son ejemplos de esta forma de diseñar.

¿En qué se inspira? ¿Dónde encuentra la inspiración?

Siempre he tenido una relación profesional y personal muy estrecha con el mundo del textil. Tras varios años trabajando en estudios de diseño y arquitectura, decidí volver al origen de mis raíces, a Ontinyent, mi ciudad natal, llena de empresas textiles y donde estuve colaborando.A eso le he sumado otra de mis pasiones como es la cultura anglosajona, que ha tenido una gran influencia especialmente, por su estilo, cultura, humor y por una manera conservadora y transgresora al mismo tiempo. A todo ello, se une mi pasión por la moda, por la sastrería y la gran inspiración por los sastres de la famosa calle de SAVILE ROW en Londres.

Su metodología y manera de cuidar a un cliente, creando algo único, a medida para cada uno de ello, provoca en el estilo estudi{H}ac esa misma pasión por el mundo textil, las texturas, el tratamiento del color .

Otras cosas que me inspiran es el disfrute de la vida en sus facetas de gastronomía, viajes, deporte, música… son todo un mundo de inputs continuos que hacen que el día a día creativo del estudio sea apasionante.

Has colaborado con firmas tan distintas como Toyota Japón, Porcelanosa o Gandía Blasco. ¿Cómo adaptas tu lenguaje de diseño al ADN de cada marca sin perder tu identidad como diseñador?

El enfoque y estilo de estudi{H}ac han estado siempre muy claros, pero como en todo, según la experiencia con los clientes y paso de los años, ha evolucionado y madurado. 

Tras estos 20 años, sigue muy presente esa inquietud creativa donde cada proyecto debe ser diferente, pensado expresamente para cada cliente, respondiendo a nuestra tan característica elegancia hecha a medida, siempre con un twist de frescura mediterránea.

Siempre he creído y apostado por intentar transmitir en cada proyecto algo único. Algo basado en mi esencia y metodología desde una forma 100% industrial. Buscando algo nuevo, algo que no deje indiferente. Una gran historia, un concepto inicial sumado al trabajo de las proporciones, las texturas y los colores son la base principal para dar forma a cada nuevo proyecto.

¿Cómo es un día de trabajo en su vida?

Un día normal que no me encuentre viajando, llego al estudio con mi brompton, hago revisión de emails, repaso proyectos en marcha con el equipo. 

Estudihac, su estudio de diseño fundado en 2003, tiene una estética muy cuidada que evoca el lujo discreto. ¿Cómo defines el equilibrio entre funcionalidad y sofisticación en tus diseños?

Siempre he creído y apostado por intentar transmitir en cada proyecto algo único. Algo basado en mi esencia y metodología desde una forma 100% industrial. La fusión de estos dos mundos (artesanal e industrial) en uno, hace que cada nuevo proyecto se trabaje de la misma manera. Siempre buscando algo nuevo, algo que no deje indiferente. Una gran historia, ese concepto inicial sumando al trabajo de las proporciones, las texturas y los colores son la base principal para dar forma a cada nuevo proyecto.

¿Cuál cree que va a ser la pieza de esta temporada?

¡Qué difícil! Pues creo que las que vamos a presentar próximamente para Actiu, Vical Design, Varaschin y Lodes.

¿Cómo ve el futuro en el mundo del diseño de mobiliario?

Primero que todo debe ser original, algo diferente en el sentido que se innove de alguna manera, ya sea formal, material o funcional. Todo nuevo buen diseño debe cumplir su función principal, a la cual poder sumar luego todas esas cualidades extra que le aporten diferenciación respecto a sus similares. Es un momento en el que muchas empresas respetan y valoran el diseño, incorporándolo a su ADN.

¿Con quién le gustaría trabajar?

Stefan Diez y Haberli.

Si no hubiera sido diseñador, sería…

Seguiría con algo muy relacionado con las disciplinas artísticas, de moda o arte.

Para conocerle mejor

Un color: el verde.

Un material: tejido, madera y piedra combinado con nuevos materiales como de vanguardia, más técnicos.

Un diseñador al que admire: Paul Smith, Haberli, Stefan Diez, entre otros.

Una pieza que le inspire: butaca Up50 de Gaetano Pesce.

Su rincón favorito de la casa: mi espacio de trabajo, donde aprovecho los momentos libres para hacer primeros bocetos y generar ideas que luego en el estudio seguimos desarrollando.

Un lugar donde vivir: un mix entre Valencia y Londres.

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Tras su paso como project manager en el estudio de Rodolfo Bonetto, fue socio en Progetica Design, donde profundizó en la investigación aplicada al diseño industrial. En paralelo, ha trabajado como consultor para importantes empresas internacionales, desarrollando productos que se distinguen por su precisión conceptual, calidad constructiva y sensibilidad estética.

Junto a Rosaria Sofia Galli fundó ALTROdesign, un estudio multidisciplinario desde el cual aborda proyectos que van desde el mobiliario hasta el diseño de interiores para los sectores hotelero y comercial. Su trabajo ha sido reconocido con premios como el Compasso d’Oro y el primer premio ADI/Expo 2015.

Entrevista a Gianluigi Landoni

¿Qué le llevó a convertirse en diseñador de producto y de mobiliario para el hogar?

Quería ser arquitecto, pero los proyectos que llegaban estaban todos relacionados con el mobiliario. Además, ser arquitecto en aquella época era realmente complicado. El diseño se convirtió en una elección natural.

Según usted, ¿qué características debe tener un proyecto para convertirse en un verdadero éxito?

Una estética fuerte, en sintonía con el presente. Una construcción sólida. Y un precio coherente. Si falta una de estas tres cosas, no funciona.

De todos los productos que ha diseñado, ¿de cuál se siente más orgulloso?

Grandeod para Sovet es uno de los últimos a los que tengo mucho cariño. Pero también la serie Blade para Boffi sigue siendo un referente.

¿De dónde saca inspiración? ¿Dónde encuentra sus ideas?

El diseño nunca ha sido un fenómeno aislado. Siempre es parte de la cultura industrial y social. Observación, contexto y diálogo entre tradición e innovación son la base de mi trabajo.

Su trabajo abarca desde el diseño de producto hasta proyectos para el sector hotelero y comercial. ¿Cuáles son los desafíos o libertades que encuentra al diseñar para contextos tan distintos?

El verdadero desafío es hacer proyectos válidos con presupuestos cada vez más ajustados. La libertad de diseño muchas veces es una ilusión: hay muchas limitaciones, casi siempre económicas.

¿Cómo es un día típico de trabajo para usted?

No existe un día típico. Pero siempre comienza con un buen espresso.

¿Cuál cree que será el objeto que representará esta temporada?

El sofá modular. Es una reflexión sobre los nuevos espacios domésticos y la flexibilidad de uso. Funciona bien porque se adapta a todo.

¿Cómo ve el futuro del diseño de mobiliario?

Confuso. Demasiada moda, poca sustancia. Y mucho narcisismo.

¿Hay alguien con quien le gustaría colaborar?

Varios. Pero sobre todo, Vitra.

ALTROdesign, el estudio que fundó junto a Rosaria Sofia Galli, se define como multidisciplinar ¿Cómo logran integrar diferentes lenguajes de diseño manteniendo una identidad coherente?

Con el trabajo diario. La identidad no se construye con palabras, sino con los proyectos, uno tras otro.

Si no hubiera sido diseñador, ¿qué cree que habría hecho?

Artista. Pero con la misma inquietud proyectual.

Para conocerlo mejor

Un color: Negro.

Un material: Metal.

Un diseñador que admira: Antonio Citterio.

Un objeto que lo inspira: El lápiz.

Su rincón favorito de la casa: Simplemente, el sofá.

Un lugar en el que le gustaría vivir: En cualquier sitio tranquilo… pero efervescente.

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Transcripción de la entrevista original en italiano

Cosa l’ha spinta a diventare designer di prodotto e di arredamento per la casa?

Volevo fare l’architetto, ma i progetti che arrivavano erano tutti legati all’arredo. Poi, fare l’architetto all’epoca era davvero complicato. Il design è diventato una scelta naturale.

Secondo lei, quali caratteristiche deve avere un progetto per diventare un vero successo?

Un’estetica forte, in sintonia col presente. Costruzione solida. E un prezzo coerente. Se manca uno di questi tre, non funziona.

Tra tutti i prodotti che ha disegnato, qual è quello di cui si sente più orgoglioso?

Grandeod per Sovet è uno degli ultimi a cui tengo molto. Ma anche la serie Blade per Boffi resta un punto fermo.

Da cosa trae ispirazione? Dove trova le sue idee?

Il design non è mai stato un fenomeno isolato. È sempre parte della cultura industriale e sociale. Osservazione, contesto e dialogo tra tradizione e innovazione sono alla base del mio lavoro.

Il suo lavoro spazia dal product design ai progetti per il settore alberghiero e commerciale. Quali sono le sfide o le libertà che incontra nel progettare per contesti così diversi?

La vera sfida è fare progetti validi con budget sempre più compressi. La libertà progettuale spesso è un’illusione: i vincoli sono tanti, quasi sempre economici.

Com’è una sua giornata tipo di lavoro?

Non esiste una giornata tipo. Ma inizia sempre con un buon espresso.

Secondo lei, qual è l’oggetto che rappresenterà questa stagione?

Il divano modulare. Riflessione sui nuovi spazi domestici e flessibilità d’uso. Funziona bene perché si adatta a tutto.

Come vede il futuro del design d’arredo?

Confuso. Troppo moda, poca sostanza. E molta autoreferenzialità.

C’è qualcuno con cui le piacerebbe collaborare?

Diverse. Una su tutte Vitra.

ALTROdesign, lo studio che ha fondato insieme a Rosaria Sofia Galli, è definito multidisciplinare. Come riuscite a integrare linguaggi progettuali diversi mantenendo un’identità coerente?

Con il lavoro quotidiano. L’identità non si costruisce con le parole, ma con i progetti, uno dopo l’altro.

Se non fosse diventato designer, cosa pensa che avrebbe fatto?

L’artista. Ma con la stessa inquietudine progettuale.

Per conoscerla meglio

Un colore: Nero

Un materiale:  Metallo

Un designer che ammira: Antonio Citterio

Un oggetto che la ispira: La matita

Il suo angolo preferito della casa: banalmente il Divano

Un luogo in cui vorrebbe vivere: in qualsiasi luogo tranquillo….ma effervescente